Worum geht es bei „Saturday Night“ in „Saturday Night Live“?

Als Kind der 70er und 80er Jahre kann ich mich lebhaft an die elektrisierende Aufregung erinnern, die jeden Samstagabend durch unsere Wohnzimmer fegte, wenn „Saturday Night Live“ unsere Fernsehbildschirme zierte. Die Show war mehr als nur eine Comedy-Sketch-Serie; Es war eine Kulturrevolution, eine Rebellion gegen die biedere, vorhersehbare Welt der Varietés, die jahrzehntelang unseren Rundfunk dominiert hatte.

Als ich zunächst von dem Konzept hinter Jason Reitmans „Saturday Night“ erfuhr – der Film spielt in den 90 Minuten vor der ersten Folge der Late-Night-Comedy-Institution im Jahr 1975 –, muss ich zugeben, dass ich zunächst verwirrt war. Zugegeben, es sah so aus, als ob es live, hinter den Kulissen und unter Hochdruck ein „Was könnte da schon schief gehen?“ geben würde. Szenario, das sich in Echtzeit abspielt. Und das klang faszinierend.

Anders ausgedrückt: Die Sendung, die wir heute als „Saturday Night Live“ kennen, ist nicht einfach an einem Tag oder innerhalb von 90 Minuten aufgetaucht. Hinter den Kulissen gab es einen umfangreichen Prozess des Brainstormings, der Planung, der Besetzung, des Drehbuchschreibens und unzähliger großer und kleinerer Entscheidungen, die das einzigartige Genre der Fernsehkomödie schließlich prägten. Wie ist „Saturday Night“ entstanden? Welche Ideen standen hinter seiner Konzeption? Wie fügten sich alle Teile zusammen? Als die Show am 11. Oktober 1975 zum ersten Mal auf NBC ausgestrahlt wurde, war der größte Teil dieses Prozesses bereits Geschichte. Wie könnte ein Film wie der von Reitman vor diesem Hintergrund wirklich die Essenz der Entstehungsgeschichte von „Saturday Night“ einfangen?

Da der Film „Saturday Night“ jetzt in limitierter Auflage erscheint und den Zuschauern die Möglichkeit gegeben wird, ihn anzusehen, bin ich angenehm überrascht, wie viel fesselnder er ist, als ich ursprünglich gedacht hatte. Jeder Moment davon hat mich fasziniert. Während ein Teil dieser Anziehungskraft sicherlich auf das Spektakel zurückzuführen ist, bei dem Charaktere aus „Saturday Night Live“ in dramatische Rollen verwandelt werden, gibt es auch ein Gefühl der Nostalgie für diejenigen wie mich, die mit der Serie aufgewachsen sind und ihre Anfänge miterlebt haben. Es ist faszinierend zu beobachten, wie gut es Regisseur Reitman gelungen ist, diese Figuren als Charaktere darzustellen und zu erkennen, welche authentisch wirken und welche nicht – im Wesentlichen um festzustellen, welche Aspekte des Films er richtig gemacht hat und wo er sie möglicherweise übersehen hat markieren. Meiner Meinung nach gibt es in diesem Film sowohl Hits als auch Misserfolge.

Matt Wood hat einige Charaktere gekonnt dargestellt, insbesondere John Belushis Charakter aus der Komödie der 70er Jahre. Seine Darstellung des Anarchisten war eine dramatische und unkooperative Primadonna, die sich weigerte, Verträge zu unterschreiben oder zu bleiben, und häufig vom Set verschwand – ähnlich wie Belushi selbst. Allerdings gelang es Wood, Belushis Essenz einzufangen – seine leicht distanzierte Unzufriedenheit, die ein verborgenes Anspruchsgefühl verbarg und die Belushi dazu brachte, bombastische Charaktere zu spielen, die mit Aggression auf die Welt losgehen (wie den Samurai, den selbstzerstörerischen „Weekend“) Update“-Kommentator und Bluto). Ich fand auch Dylan O’Briens Darstellung von Dan Aykroyd überzeugend, insbesondere sein freundliches kanadisches Auftreten und seine Fähigkeit, die Leute mit seinem schnellen Technikjargon zu verwirren. Schließlich kam Kim Matula der falschen Schlichtheit und dem hochmütigen Lächeln von Jane Curtin sehr nahe.

Der Film enthält eine Mischung aus genauen und ungenauen Darstellungen. Cory Michael Smith stellt Chevy Chases bissigen Witz und seine herrschsüchtige Haltung wirkungsvoll dar, aber er wirkt zu mürrisch, ihm fehlt der lässige Charme, der für Chase charakteristisch war. Ella Hunts Darstellung von Gilda Radner ist übermäßig sprudelnd und es fehlt ihr die starke, ausgeprägte Persönlichkeit, die Radner besaß. Ich muss meine Enttäuschung über die Interpretation des Films von Michael O’Donoghue zum Ausdruck bringen, einem Pionier der destruktiven, nihilistischen Komödie, der „Saturday Night“ maßgeblich beeinflusst hat. Es stimmt zwar, dass O’Donoghue dünne braune Zigaretten rauchte und Netzwerkmanager kritisierte, aber er war nicht der charmante, schelmische Unruhestifter, der im Film dargestellt wird. Stattdessen war er ausdrucksloser, feindseliger, sarkastischer und cooler – ein Comedy-Autor, so unerbittlich wie ein Attentäter. Es wäre von Vorteil gewesen, wenn sie einige Tonbänder studiert hätten, um seine Stimme genau einzufangen.

Trotz einiger Kritik an der Darstellung von Lorne Michaels im Film fand ich Gabriel LaBelles Darstellung genau richtig. Mit nur 22 Jahren verkörperte LaBelle, der den jungen Steven Spielberg in „The Fabelmans“ verkörperte, überzeugend Michaels, den Produzenten von „Saturday Night Live“, der bei der Erstausstrahlung der Serie 30 Jahre alt war. Er fängt nicht nur Michaels‘ unverwechselbare Stimme und Erscheinung ein, sondern schildert auch gekonnt die komplexe Beziehung zwischen Michaels und dem Chaos, das ihn umgibt.

Lorne muss drei Stunden Skizzen um die Hälfte reduzieren, was bedeutet, dass er unzählige Karteikarten durchsehen muss. Darüber hinaus muss er mit den schwankenden Egos der Darsteller umgehen, Sendervertreter überzeugen, die die Serie nicht verstehen, ihnen nicht vertrauen oder sie nicht mögen, und sich mit Johnny Carson auseinandersetzen, der NBC als seinen Sender ansieht und möchte, dass die Serie schnell scheitert. Darüber hinaus muss Lorne Vertrauen in dieses Programm haben und alles im Kopf behalten, auch wenn er seine Natur noch nicht vollständig versteht. Zu diesem Zeitpunkt weiß nicht einmal Lorne, was es ist. Allerdings wird „Saturday Night“ zu einem größeren kulturellen Phänomen als erwartet; Es wird über die einzelnen Teile hinausgehen und zu etwas viel Größerem werden, einer unvorhergesehenen Revolution, die selbst diejenigen, die sie ins Leben gerufen haben, nicht vollständig vorhergesehen haben.

Das Geheimnis des Films liegt in der Darstellung von Lorne Michaels, der glaubt, eine klare Vorstellung von der Show zu haben, sich aber ihrer wahren Identität nicht bewusst ist. Adam Reitman fängt durch die rasante und unvorhersehbare Struktur seines Films die Reise ein, auf der er herausfindet, was „Saturday Night“ wirklich darstellt. Anstatt einen detaillierten Dokumentarfilm zu erstellen, der die Ursprünge von „Saturday Night“ (National Lampoon, Second City-Truppen in Chicago und Toronto) und seine Entstehung aus Drogenkultur, Feminismus und Gegenkultur nachzeichnet, bezieht er diese Elemente auf subtile Weise ein. In einer entscheidenden Szene hält Lorne eine Rede, die den Reiz von „Saturday Night“ auf den Punkt bringt. Er erklärt, dass die Show die Zuschauer zu Hause auf neuartige Weise direkt mit dem romantischen Rätsel von New York City verbindet. Das berührt mich als jemanden, der die Serie in ihren Anfangsjahren im Mittleren Westen gesehen hat. Ich übertreibe es nicht, wenn ich sage, dass ich jede neue Folge mit Spannung erwartet habe wie auf eine kleine Weihnachtsfeier.

In erster Linie lässt Reitman die Geschichte selbst definieren, was „Saturday Night“ darstellt. Dabei geht es nicht um die hektische Atmosphäre vor der Show, wie zum Beispiel die hastig aufgebaute Bühne oder die Suche nach Belushi, noch geht es um den angespannten Höhepunkt (den der Film möglicherweise übertreibt) darüber, ob eine Wiederholung von „The Tonight Show“ die Live-Show ersetzen würde in letzter Minute ausgestrahlt. Diese Elemente sind spannend und fesselnd, aber das zentrale Thema des Films „Saturday Night“ liegt in der Tatsache, dass die Show bahnbrechend war, indem sie die rohe Energie und den Konflikt von Persönlichkeiten des Showbusiness auf die Leinwand brachte. Der Grund dafür, dass die „Not Ready For Prime Time“-Spieler nicht ganz bereit für die Primetime waren, liegt darin, dass sie sich so sehr darauf konzentrierten, dem Publikum ihr wahres Selbst zu offenbaren. Das hat sie zu etwas Besonderem gemacht. Deshalb wurden sie fast zu den Beatles der Comedy.

In einer denkwürdigen Szene des Films spielt die Figur Milton Berle, die von J.K. Simmons schlendert hinter die Bühne, als sei er der Inbegriff von Showbusiness und Frauenverehrung. Er identifiziert Chevy Chase, der kurz davor stand, der aufstrebende Star von „Saturday Night“ zu werden, als potenzielle Bedrohung für sein Ego. Also flirtet er mit Chases Freundin und lässt sich dann auf einen hitzigen verbalen Schlagabtausch mit Chevy ein, der sich so intensiv anfühlt, als würde Rauch daraus aufsteigen. Berle glaubt, dass er Chase besiegt hat; er möchte seine Überlegenheit gegenüber der neuen Generation demonstrieren. Allerdings ist sein scharfer Witz nur ein Scherz hinter den Kulissen – ein Humor, den die Komiker seiner Zeit in ihren Auftritten lieber wegließen. Chevy Chase und die anderen Scherze von „Saturday Night“ hingegen werden diesen rohen Geist direkt in ihre Komödie einfließen lassen. Sie werden furchtlos, unerbittlich und grenzenlos sein. (Die Show beginnt mit einem Sketch über das Füttern von Vielfraßen mit den Fingerspitzen, was dazu führt, dass die beiden Charaktere, die in Sesseln sitzen, sofort einen Herzinfarkt erleiden.) Dies ist keine typische Varieté-Show von Onkel Miltie – es ist Onkel Milties Unterbewusstsein auf Drogen. Und sobald „Saturday Night“ diesen Geist aus seiner Flasche entfesselte, würde das Fernsehen nie mehr das Gleiche sein, wie es war, und vielleicht auch die Welt nicht mehr so ​​sein. Alles, was die Mainstream-Komödie so lange unterdrückt hatte, würde nicht länger verborgen bleiben; es wäre live.

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2024-09-29 21:47