Warum Unwissenheit für den Dokumentarfilmer Nicolas Philibert ein Glücksfall ist: „Je weniger ich im Voraus über das Thema weiß, desto besser“

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Als erfahrener Kinoliebhaber, der seit Jahrzehnten das Labyrinth des Weltkinos durchquert, kann ich getrost sagen, dass Nicolas Philibert ein seltenes Juwel in der Welt des Filmemachens ist. Seine einzigartige Herangehensweise an das dokumentarische Geschichtenerzählen, die von Selbstbeobachtung und tiefem Respekt für seine Themen geprägt ist, unterscheidet ihn von vielen zeitgenössischen Regisseuren.

Als Filmliebhaber stimme ich Nicolas Philiberts Sicht auf das Dokumentarfilmmachen voll und ganz zu: Manchmal kann es zu mehr Kreativität und Authentizität führen, wenn man nicht zu viel weiß. Diese Erkenntnis kam aus meinen Gesprächen mit ihm während der IDFA in Amsterdam, wo er seine Erfahrungen als Regisseur gefeierter Filme wie „To Be and to Have“ (ein BAFTA-Nominierter) und „On the Adamant“ (Gewinner von Berlins bestem Film) teilte ). Seine einzigartige Herangehensweise an das Geschichtenerzählen hat mich immer fasziniert.

In diesem Jahr brachte der französische Filmemacher, dessen Werke „The Typewriter and Other Headaches“ und „Averroès & Rosa Parks“ auf der IDFA gezeigt werden, zum Ausdruck, dass, wenn die eigene Absicht zu offensichtlich oder stark betont wird, sie zum Gegner werden kann. Dieses Gefühl spiegelt ein Zitat seines Schauspielkollegen und Regisseurs André S. Labarthe wider.

Er erklärte: „Vielleicht ist das der Grund, warum ich so wenig wie möglich vorbereite. Je weniger Vorkenntnisse ich zu einem Thema brauche, desto wohler fühle ich mich. Ich bin nicht der Typ, der sich umfassend vorbereitet. Vielmehr ist es die Recherche, die mich prägt.“ Der Film selbst entsteht aus meinem Mangel an Wissen, meiner Neugier, meinem Verlangen, meiner Angst – all diesen Elementen zusammengenommen, verliere ich das Interesse daran, den Film zu machen, weil ich Filme mache, um zu lernen.

Philibert teilte dem Interviewer Neil Young mit, dass er sich gelegentlich erst für die Eröffnungsszene eines Films entscheidet, wenn er am Schnitt arbeitet. Dies traf auf „To Be and to Have“ zu, einen Film über einen Lehrer und seine Schüler, der bei den Europäischen Filmpreisen als Bester Dokumentarfilm ausgezeichnet wurde. Philibert erklärte, dass er manchmal vom Ende an arbeitet: Er weiß bereits, wie der Film enden wird, und dann schneidet er sich zurück zum Anfang.

Er wollte, dass die erste Szene für „To Be and to Have“ zwei unterschiedliche Bereiche zeigt – Natur und Zivilisation. Dies würde ein Bild von Vieh in einer winterlichen Umgebung und einem friedlichen Schulklassenzimmer mit einem Globus auf dem Boden beinhalten, einem Raum, in dem sich gesellschaftliche Interaktionen entfalten, erklärte er und spielte damit auf die Funktion der Schule bei der Entwicklung der sozialen Fähigkeiten von Kindern an.

Ungeachtet des Triumphs des Films hatte er zum Glück keinen Einfluss auf mein Leben. „Ich habe weiter so gearbeitet, wie es mir am besten passte, im Einklang mit meiner Leidenschaft, meinen Moralvorstellungen und meinen Bedürfnissen. Der darauf folgende Film, ‚Rückkehr in die Normandie‘, lief finanziell nicht gut. Dies war jedoch ein Glücksfall, da ich dadurch auf dem Boden blieb.“ und verhinderte jedes aufgeblähte Gefühl der Selbstgefälligkeit.

Philibert sieht keinen Unterschied zwischen dem Geschichtenerzählen in Filmen und der Regie von Dokumentarfilmen. „Alles ist erfunden. Meiner Ansicht nach ist ein Dokumentarfilm einfach eine weitere Methode, Fiktion zu erschaffen. Warum sage ich das? Denn sobald man eine Kamera irgendwohin richtet, interpretiert man die Realität. Ein Dokumentarfilm ist keine exakte Nachbildung der Realität, sondern sondern eine Interpretation. Sie decken die Wahrheit auf.

Philibert widersetzte sich Youngs Behauptung, dass seine Charaktere oft „charmant“ und „freundlich“ wirken. Er stellte klar: „Ich mache keine Filme, um Menschen charmant darzustellen. Das ist nicht meine Absicht. Stattdessen versuche ich, sie in ihrer Würde darzustellen, was ein einzigartiger Aspekt ist.“ Unter Berufung auf den Filmemacher Jean-Louis Comolli erklärte er: „Das politische Wesen des Films liegt darin, Würde hervorzurufen, die von der Leinwand bis in den Zuschauerraum hinein widerhallt.“

Ein Unterschied zwischen Spielfilmen und Dokumentarfilmen besteht darin, dass der Regisseur eine Pflicht gegenüber den Menschen im Film hat, weil sie „in einem Bild gefangen sind“, sagte Young und zitierte Philibert. Der Regisseur antwortete: „Ich filme dich und du bist in Raum und Zeit gefangen. Als Filmemacher fühle ich mich in der Verantwortung, denn wenn man eine Kamera in der Hand hat, hat man eine gewisse Macht, und eine der Fragen ist, wie man die Macht, die die Kamera einem gibt, nicht missbraucht, wenn man jemanden in einer psychiatrischen Klinik filmt [ die Kulisse für „Averroès & Rosa Parks“] oder an einem beliebigen Ort. Jeder Mensch muss respektiert werden. Beim Drehen eines Dokumentarfilms geht es darum, Menschen aus dem Schatten ins Licht zu führen, und wenn der Film fertig ist, kehren diese Menschen in ihren Alltag zurück – gewissermaßen in den Schatten. Also, was hinterlassen Sie ihnen? Es ist eine ethische Frage.“

Philibert betonte, dass es manchmal klüger sei, auf Aufnahmen zu verzichten. „Es besteht der Drang, Türen aufzubrechen und Spektakel festzuhalten, aber ich schätze die Vertraulichkeit des Privatlebens. Ich verstehe, dass die Welt grenzenlos erscheint – schauen Sie sich nur die sozialen Medien an – und dennoch glaube ich, dass es eine Zeit gibt, in der man auf das Filmen verzichten sollte – gestatten Sie es.“ Lassen Sie Lücken, lassen Sie Leere, lassen Sie dem Betrachter etwas zum Nachdenken darüber, was angezeigt wird und was nicht – mit anderen Worten, lassen Sie auch etwas für die Fantasie.

Er brachte seine Überzeugung zum Ausdruck, dass angesichts der heutigen Fülle an visuellen Inhalten das Kino – als eine Kunstform, die in erster Linie durch Bilder und nicht durch Plattformen wie Fernsehen oder Facebook definiert wird – dieser Bilderüberflutung entgegenwirken muss.

Er dachte über sein Engagement für die Welt des Films und seine Angewohnheit nach, die Produktion auf ein Minimum zu beschränken. „Ich konzentriere mich einfach auf das Wesentliche“, sagte er. „Ich bin in der Lage, bis zu zwei Jahre eine Pause vom Filmemachen einzulegen.

Für mich liegt der Reiz des Kinos darin, mit anderen in Kontakt zu treten und verschiedene Teile der Welt zu erkunden. Die Welt, in der wir heute leben, kann herausfordernd, hart und beunruhigend sein, aber sie durch Filme zu erleben hilft mir, die Welt da draußen zu verstehen und durch die Beobachtung anderer ein besseres Verständnis für mich selbst zu erlangen.

Über seinen Film „Nénette“, in dem ein 40-jähriger Orang-Utan in einem Zoogehege im Mittelpunkt steht, erklärte er: „In diesem Film geht es um Wahrnehmung. Wahrnehmung wird immer von unseren Perspektiven beeinflusst. Es ähnelt dem Kino, wenn wir.“ Wenn wir uns gemeinsam einen Film im Kino anschauen, interpretiert jeder von uns ihn aufgrund seiner einzigartigen Erfahrungen anders. Nénette dient als Leinwand für die menschlichen Stimmen, die über sie und ihre Beobachtungen sprechen, und doch projizieren sie sich im Wesentlichen auf sie von Gustave Flaubert: „Madame Bovary, das bin ich.“ Im Wesentlichen repräsentiert Nénette jeden von uns.

Young postulierte, dass sich „Nénette“ um Kommunikation drehte, was auch ein Thema in Philiberts anderen Werken war; Der Filmemacher stellte jedoch klar, dass sein Fokus nicht auf der Kommunikation an sich, sondern auf der Sprache selbst lag. Für ihn haben Worte einen hohen Stellenwert und er fühlt sich ihnen zutiefst verbunden. Sie sind entscheidende Elemente. Heutzutage ist es selbst in Dokumentarfilmen nicht in Mode, Worte hervorzuheben. Sie treten oft in den Hintergrund. Es gibt kaum einen echten Dialog. Es gibt wenig Platz für Worte, die wandern und versuchen, sich selbst zu entdecken oder entdeckt zu werden. Alles scheint ständig strukturiert und unterbrochen zu sein. Bei Fernsehdebatten dauern die Aufnahmen selten länger als ein paar Sekunden. Folglich gibt es keinen Platz für Worte auf der Suche nach Bedeutung.

Truffaut stellte oft fest, dass Filme durch ihre Unvollkommenheiten zum Leben erweckt werden. Ich stimme zu, denn ich finde, dass es die heiklen, fehlerhaften Filme sind – nicht solche, die ohne Makel sind –, die einen tiefgreifenden und emotionalen Einfluss auf mich haben können.

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2024-11-20 12:47