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Wenn ich dieses Interview lese, wird mir klar, dass Tim Burtons Reise seine einzigartige, exzentrische und fantasievolle Welt widerspiegelt, die er im Laufe der Jahre geschaffen hat. Seine nostalgische Erinnerung an Disneys Übergang von einem künstlerzentrierten Studio zu einem Unternehmensriesen spiegelt einen umfassenderen Wandel in der Filmindustrie wider, in der sich der Fokus auf größere Franchises und weniger auf die Förderung individueller kreativer Visionen verlagert hat.
Unter den zahlreichen Auszeichnungen und Anerkennungen, die er im Laufe seiner über 40-jährigen Karriere gesammelt hat, hätte Tim Burton nie damit gerechnet, einen Stern auf dem Hollywood Walk of Fame zu bekommen. Doch seine Reaktion auf diese Nachricht spiegelt die skurrile, düstere Ästhetik wider, die seinen 20 Filmen einen weltweiten Einspielergebnis von fast 4,5 Milliarden US-Dollar beschert und einen oft missverstandenen Filmemacher zu einem bekannten Namen gemacht hat.
Burton erinnert sich: „Zuerst dachte ich, dass es sich um Grabsteine handelte, bevor ich verstand, was sie tatsächlich waren“, sagt Burton zu EbMaster. „Da ich in Kalifornien aufgewachsen bin, besteht alles aus flachen Grabsteinen, deshalb habe ich den Fehler gemacht. Es dauerte jedoch nicht lange, bis mir klar wurde, dass Desi Arnaz und John Wayne nicht unter dem Hollywood Boulevard begraben waren.“
Tim Burton, bekannt für seine einzigartige Regiearbeit bei Filmen wie „Sleepy Hollow“, „Corpse Bride“, „Dark Shadows“ und „Frankenweenie“, verfügt über ein tiefes Verständnis sowohl für die Lebenden als auch für die Verstorbenen. Schauspieler Michael Keaton erinnert sich an ihre erste Begegnung bei „Beetlejuice“, die nicht nur Burtons unverwechselbaren Charakter, sondern auch ihre kreative Synergie hervorhob. Wie Keaton erklärt, war Burtons Enthusiasmus und Entschlossenheit offensichtlich, obwohl es schwierig war, das Konzept zu vermitteln. „Dieser von Tims Vision geleitete Zusammenarbeitsprozess war eine der erfreulichsten und lohnendsten Erfahrungen, die ich je gemacht habe“, sagt Keaton. „Er ist ein kreatives Genie, das die Welt auf ungewöhnliche Weise wahrnimmt, aber wenn alles passt, ist es geradezu brillant.“
Im Vorfeld ihrer nächsten Zusammenarbeit, „Beetlejuice Beetlejuice“, hebt Keaton Tim Burtons unverwechselbaren Erzählstil als Schlüsselfaktor für seinen Erfolg in Hollywood hervor. „Es ist eine wohlverdiente Anerkennung für Tims einzigartige künstlerische Vision und seinen bedeutenden Einfluss auf die Filmindustrie“, sagt er.
„Als er mich für Batman auswählte, obwohl andere Vorbehalte hatten, zeigte das seine Hingabe an sein Konzept – das war einfach ein Beispiel seiner künstlerischen Integrität. Die Auszeichnung mit einem Stern ist ein Beweis für den Einfluss, den er auf den Film und die innovativen Ideen hatte.“ Er wird auf der Leinwand zum Leben erweckt.
Vor der Walk of Fame-Veranstaltung am 3. September führte Burton ein Interview mit EbMaster und sprach über seine Karriere als Filmemacher und Geschichtenerzähler. Diese Reise reichte von „Pee-Wees großes Abenteuer“ bis zu „Beetlejuice Beetlejuice“ und darüber hinaus.
Haben Sie sich bewusst als Außenseiter gefühlt, als Sie angefangen haben, Filme zu machen?
Ich verbrachte meine prägenden Jahre in einer ungewöhnlichen Ära bei Disney, in der ich alles andere als ein versierter Animator war. Doch die vielfältigen Aufgaben, die mir übertragen wurden, ermöglichten es mir, meinen Weg auf höchst unkonventionelle Weise zu entdecken. Als ich anfing, meinen ersten abendfüllenden Film zu drehen, hatte ich mich an ein paar Kurzprojekten versucht, war aber der Branche gegenüber naiv und hatte das Konzept der Angst noch nicht einmal begriffen.
Wie natürlich ist Ihre Ästhetik als Filmemacher entstanden?
Für mich hatte alles eine zutiefst persönliche Note. Unabhängig davon, ob sie von mir erstellt wurden oder nicht, gelang es mir immer, eine persönliche Bedeutung in ihnen zu erkennen. Dies war die treibende Kraft hinter meinem Handeln.
„Batman“ war eine bemerkenswerte Wende für Superheldenfilme. Wie sehr wurden Ihre natürlichen Impulse dabei durch den Studiodruck herausgefordert?
Damals hatte ich Glück, denn den Begriff „Franchise“ gab es noch nicht. Dies ließ „Batman“ zu seiner Zeit etwas innovativ wirken. Es wich von dem ab, was man von einem Superheldenfilm erwarten würde, daher haben wir kein solches Studio-Feedback erhalten. Da wir uns in England befanden, war es sogar noch weiter entfernt. Dadurch konnten wir uns auf den Film konzentrieren, ohne uns Gedanken über die Faktoren machen zu müssen, die jetzt bereits vor Produktionsbeginn berücksichtigt werden.
Sie hatten schon immer die wunderbare Fähigkeit, Ideen zu kombinieren, die sich zwar riskant anfühlten, sich aber in der Umsetzung nie unsicher anfühlten.
Ich hatte immer das Gefühl, dass ich bei der Zusammenarbeit mit Studios nicht die Mittel des Unternehmens missbrauchte, wenn Sie verstehen, was ich meine. Es fühlte sich fast unschuldig an, weil ich kein wirklich professioneller Filmemacher war und die Dinge einfach auf meine eigene Art und Weise gemacht habe. Es schien, als ob sie mich deshalb wollten. Das war schon immer ein eigenartiges Dilemma: Sie wollen dich, aber nicht ganz dein wahres Ich. Allerdings glaube ich, dass sie zu Beginn und bis zu einem gewissen Grad auch jetzt noch nicht ganz verstanden haben, was ich tat, und sie es daher nicht wirklich kritisieren konnten.
„Batman Returns“ war der erste Film, bei dem man völlig frei von Budget- oder Studioeingriffen war. Wie sehr wollten Sie aktiv an die Grenzen gehen? Wie sehr waren seine Eigenheiten ein organischer Ausdruck Ihrer Kreativität?
Ich für meinen Teil hatte anfangs keine Lust auf eine Fortsetzung. Meine Faszination für Charaktere wie Penguin und Catwoman hat jedoch meine Begeisterung für das Projekt neu entfacht. Zu diesem Zeitpunkt begannen Diskussionen über die Expansion in ein Franchise, und zu diesem Zeitpunkt begann das Studio, Details wie „Was verursacht die schwarze Substanz, die aus dem Mund des Pinguins kommt?“ in Frage zu stellen. Dies war das erste Mal, dass ich eine kühle Brise von solchen branchenbezogenen Themen verspürte.
Ihre ungemachte „Superman“-Adaption mit Nicolas Cage in der Hauptrolle hat mythischen Status erreicht. Welche Lehren aus diesen Projekten konnten Sie auf die Projekte anwenden, die Sie tatsächlich realisiert haben?
Einen Film zu machen ist immer ein unerwartetes Abenteuer, das an „Jason und die Argonauten“ erinnert. Jedes Projekt hat seine einzigartigen Herausforderungen, die jeder bewältigen muss, um es zum Erfolg zu führen. Leider habe ich erlebt, dass Filme nach jahrelanger Arbeit scheitern, was ziemlich belastend sein kann. Um damit klarzukommen, konzentriere ich mich auf Projekte, die mich tief berühren, und versuche, Ablenkungen und unnötigen Lärm herauszufiltern.
Könnten Sie in einer Zeit, in der Sam Raimi und andere zum Genre zurückkehren, davon überzeugt werden, noch einmal einen Superheldenfilm zu drehen?
Derzeit ist meine Antwort ein klares „Nein“. Allerdings gehe ich immer aus verschiedenen Perspektiven an die Sache heran, daher würde ich nichts ganz ausschließen. Zum jetzigen Zeitpunkt ist es für mich keine Option, die mich besonders reizt.
„Ed Wood“ schien eine perfekte Harmonie zwischen Thema und Filmemacher zu sein. Obwohl es sich um eine Komödie handelt, war das für Sie Ihr erster ernsterer Film?
Aus meiner Sicht fühlte ich mich zutiefst mit der Reise der Figur als Künstlerin verbunden, die sich auf dem schmalen Grat zwischen ungezügelter Begeisterung und harter Realität bewegte – vergleichbar mit der Erschaffung von „Star Wars“, während ich unabsichtlich „Plan 9 From Outer Space“ erschaffe. Die Dynamik zwischen ihm und Bela Lugosi weckte Erinnerungen, die an meine Verbindung mit Vincent Price erinnern. Verschiedene Aspekte davon haben mich tief berührt, obwohl sie nicht autobiographisch sind, haben sie mich tief berührt.
Sie haben zu Beginn Ihrer Karriere ein ziemlich starkes Team von Mitarbeitern aufgebaut, mit denen Sie mehrmals zusammenarbeiten können. Wie einfach war es, Menschen zu identifizieren, mit denen Sie eine kreative Affinität teilen?
Es macht mir wirklich Spaß, immer wieder mit Menschen zusammenzuarbeiten und neue Facetten ihrer Persönlichkeit zu entdecken. Und selbst mit denen, mit denen ich nur einmal zusammengearbeitet habe, waren die Begegnungen bereichernd und lohnend, sodass ich mich sehr glücklich schätzen kann. Die einzige Ausnahme war Jack Palance während „Batman“, der einen Moment hatte, in dem er geneigt zu sein schien, mir einen guten Kampf zu liefern!
Ich habe das Gefühl, dass er viele Leute verprügeln wollte.
Zuerst war ich ein Neuling, ich war besorgt, es gab Zeiten, in denen ich mir nicht sicher war, welche Schritte die richtigen waren, was mich ängstlich machte. Doch zum Glück ist am Ende alles gut gelaufen.
„Batman Returns“, „Ed Wood“ und „Mars Attacks“ dekonstruieren alle Hollywood-Konventionen. War das eine Idee, über die Sie damals aktiv nachgedacht haben?
Nach „Ed Wood“ verwandelte ich mich in Ed Wood. Zu diesem Zeitpunkt befand ich mich in einem ungewöhnlichen Zustand – alles schien aus dem Ruder zu laufen. In Amerika war das ziemlich paradox, und es geschah zu einer besonderen Zeit, als Panzer vor dem Kapitol stationiert waren; Wir konnten Aufgaben im Filmschaffen erfüllen, die heute nicht mehr möglich sind. Für mich war es eine einzigartige und lohnende Erfahrung. Um es einfach auszudrücken: Die Rolle des Ed Wood anzunehmen war gar nicht so schlecht.
Gab es neben Ed Wood Menschen am Rande der Filmindustrie, mit denen Sie sich sofort identifiziert haben, als Sie Ihre Karriere begannen?
Viele Menschen haben mich im Laufe der Jahre beeinflusst, doch es war Ray Harryhausen, der mich seit meiner Kindheit wirklich faszinierte. Seine einzigartige Form der Animation, die von einer tiefen emotionalen Resonanz durchdrungen ist, stach wie keine andere heraus. Deshalb habe ich ihn immer als einen wahren Künstler und eine tiefe Inspirationsquelle betrachtet.
„Sleepy Hollow“ war eine bahnbrechende Verbindung zwischen Ihrer Sensibilität und Material, das nicht von Ihnen stammt. Gab es jemals ein gewisses Maß an Berechnung bei einer dieser Entscheidungen, wie „Sweeney Todd“ oder „Alice im Wunderland“?
Absolut nicht. Als ich „Sweeney Todd“ auf der Bühne sah, bemerkte ich, dass es das einzige Musical war, das mir je gefallen hatte, und verspürte ein Gefühl von Horrorfilm-ähnlichen Gefühlen. Obwohl es sich um eine Produktion von Stephen Sondheim handelt, bin ich immer an die Sache herangegangen, als wäre es meine eigene Schöpfung.
„Big Fish“ hat diese schöne Reife. Haben Sie versucht, mit diesem Film einen Muskel zu trainieren, den Sie vorher vielleicht nicht hatten?
Vor etwa einem Jahr ist mein Vater verstorben. Unsere Beziehung war nicht besonders eng, aber sein Tod hat mich tief getroffen. Kurz nach dem Vorfall fand ich Trost im Lesen. Wenn ich diesen Film früher bekommen hätte, hätte ich glaube ich nicht überlebt. Im Laufe der Zeit prägen und formen uns Lebenserfahrungen und sorgen für mehr Verständnis und Weisheit, die unsere kreativen Entscheidungen beeinflussen können.
Wann wurde Ihnen klar, dass „Burtonesque“ ein Stil war, den die Leute suchten?
Im filmischen Sinne rufen Ihre Worte ein Unbehagen hervor, das an die erschreckende Atmosphäre in „Invasion der Körperfresser“ erinnert. Ich habe mich nie ganz mit dieser Person identifiziert, ähnlich wie ein Vampir Spiegel meidet, um die Illusion der Unsterblichkeit aufrechtzuerhalten. Allerdings muss ich klarstellen, dass ich nicht ohne Spiegel lebe (bei diesem Gedanken muss ich herzlich lachen). Der Vergleich gefällt mir persönlich nicht, aber einige könnten ihn als Kompliment und andere als Herabwürdigung auffassen, abhängig von der Perspektive desjenigen, der die Bemerkung macht.
Ob Kompliment oder Herabwürdigung: Wenn ein Studio zu Ihnen kommt und sagt: „Wir wollen diese Burton-Magie“, wollen Sie das jemals untergraben?
Wenn ich älter werde und Menschen Wünsche äußern, stelle ich manchmal fest, dass ich ihre Aufrichtigkeit in Frage stelle, weil sie in der Vergangenheit gesagt haben, sie wollten etwas, es dann aber nicht umgesetzt haben. Es ist ein amüsanter Aspekt des Lebens zu beobachten. Ihre Wünsche machen mir allerdings keine Sorgen mehr; Stattdessen konzentriere ich mich auf die Aktivitäten, die meine Begeisterung entfachen, und es fühlt sich großartig an, in dieser Denkweise zu sein.
Disney, der Ort, an dem Sie als Animator angefangen haben, ist im Laufe Ihrer Karriere oft zur Heimat für Filmprojekte geworden. Ich habe ein Zitat gelesen, das darauf hinwies, dass Sie nicht glaubten, dass Sie wieder mit Disney zusammenarbeiten könnten oder würden.
Im Laufe der Jahre hatte ich mehrere Stationen bei Disney. Während meiner ersten Tätigkeit als Animator und Designer durchlief das Unternehmen schon damals mehrere Veränderungen. Jedes neue Management brachte neue Ideen ein, so dass man jedes Mal das Gefühl hatte, für ein anderes Studio zu arbeiten. Bemerkenswerterweise bot mein Schreibtisch eine einzigartige Aussicht – aus dem Fenster konnte ich das Krankenhaus sehen, in dem ich geboren wurde, und dahinter Forest Lawn, den Friedhof, auf dem meine Eltern begraben liegen. Es schien eine seltsame Dreiecksverbindung zu sein, die vor langer Zeit begann. Meine Reise mit Disney war voller Höhen und Tiefen – von der Entfernung meiner Weisheitszähne und dem Bluten in den Hallen von Disney bis hin zu den Schwierigkeiten, Füchse für verschiedene Filme zu zeichnen, an denen ich dort gearbeitet habe. Jetzt fühle ich mich wie ein Teenager, der bereit ist, sein Zuhause zu verlassen.
Inwieweit spiegelt diese Wahrnehmung von Disney Ihre Sicht auf die gesamte Branche wider?
Rückblickend gab es in den 80er Jahren ein Animationsstudio, das speziell auf Künstler zugeschnitten war. 1986 war ich der letzte Künstler in diesem Gebäude, da alle anderen Künstler vertrieben und in ein Lagerhaus in Glendale umgesiedelt wurden. Anschließend wurde das Studio von Führungskräften übernommen. Ich beobachte diesen Wandel schon seit geraumer Zeit. Und heute scheint es, als hätten größere Franchises die kleineren, persönlicheren Projekte ersetzt, was zwar nicht meine Vorliebe ist, aber so ist das Leben.
Wie haben Sie die Welt von „Beetlejuice“ noch einmal erlebt?
Als Filmemacher, der mit Tim Burtons „Big Fish“ aufgewachsen ist, zögerte ich zunächst, die Geschichte noch einmal aufzugreifen, weil ich damals nicht daran gedacht hatte, eine Fortsetzung zu machen. Als ich mich jedoch dem mittleren Alter näherte, weckte die Neugier auf Lydias Leben und das Schicksal der Familie Deetz mein Interesse. Ich wollte erforschen, was mit den Menschen nach 35 Jahren passiert, wohin sie gehen und wie ihre Reise aussieht. Diese persönliche Verbindung hat das Projekt für mich zutiefst emotional gemacht.
Die fünf Jahre zwischen „Dumbo“ und „Beetlejuice Beetlejuice“ könnten die längste Zeit sein, die Sie zwischen dem Filmemachen verstreichen ließen.
Während der COVID-Zeit schien alles instabil und unsicher. Anstatt mich von diesen Turbulenzen mitreißen zu lassen, konzentrierte ich mich auf meine persönlichen Gefühle und Aufgaben. Dann trat „Wednesday“ in mein Leben und weckte mein Interesse am Schaffen. Anschließend reisten wir nach Rumänien, was sich wie ein kreativer Wellness-Urlaub anfühlte. Es war ein äußerst erfolgreiches Erlebnis.
Wie sehr hat diese Serie Ihre Kreativität neu entfacht? Wie eifrig möchten Sie weiterarbeiten?
Ehrlich gesagt war ich nach „Dumbo“ unsicher über meine nächsten Schritte. Ich überlegte, mich zurückzuziehen oder andere Wege einzuschlagen, aber meine Karriere als Animator schien am Ende zu sein. (Lacht) Aber dieses Projekt hat mir neues Leben eingehaucht. In Hollywood liegt der Schwerpunkt oft auf einem verantwortungsvollen Umgang mit dem Budget und anderen Aspekten der Produktion, was manchmal dazu führen kann, dass man sich selbst aus den Augen verliert. Diese Erfahrung hat mich daran erinnert, dass es entscheidend ist, meinen eigenen Leidenschaften zu folgen, denn dann werden alle wirklich davon profitieren.
Klopfen Leute an Ihre Tür?
Ich befinde mich an einem abgelegenen Ort und habe niemanden in der Nähe, den ich besuchen könnte. Somit bleibt meine Tür unberührt. Ich war jedoch schon früher mit ähnlichen Situationen konfrontiert. Es ist interessant festzustellen, dass Batman zunächst erst nach der Veröffentlichung von Beetlejuice genehmigt wurde. Auch wenn sie jetzt behaupten, dich zu vergöttern, wollen wir mal sehen, ob ihre Zuneigung auch in Zukunft anhält.
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2024-08-22 18:19