„Sanatorium Under the Sign of the Hourglass“-Rezension: Die surreale Stop-Motion-Fantasie der Quay Brothers ist ein Bissen, ein Blick und ein Geistesschmelz

Als Kenner des Surrealen und Bizarren, mit einer tiefen Wertschätzung für die esoterische Welt der Stop-Motion-Animation, bin ich von „Sanatorium im Zeichen der Sanduhr“ völlig fasziniert. Dieser Film ist ein Beweis für die beispiellose Fähigkeit der Quay Brothers, Zeit, Raum und Sterblichkeit auf eine Weise miteinander zu verknüpfen, die sich dem traditionellen Geschichtenerzählen widersetzt. Es ist, als ob man in einen Traum eintaucht, der noch lange nach dem Aufwachen anhält.

In dem spärlich beleuchteten, handwerklichen Reich, das in „Sanatorium im Zeichen der Sanduhr“ dargestellt wird, halten sich weder Zeit, Raum noch Leben an irdische Zeitpläne. Daher ist es passend, dass diese faszinierende Stop-Motion-Reise ihren einzigartigen zeitlichen Regeln zu folgen scheint. Nach fast zwei Jahrzehnten dauert dieser erste Spielfilm der Kult-Animatoren Quay Brothers nur 76 Minuten. Wenn man jedoch in die rätselhafte Erzählung eintaucht, fühlt es sich gleichzeitig wie eine endlose Reise an und ist im Handumdrehen vorbei – ganz wie ein großer Traum, der beim Aufwachen schnell verblasst.

Die komplexe und mysteriöse Natur des Films „Sanatorium“ könnte das Publikum verwirren, das sich, sobald es in die äußerst düstere und gotische Handlung hineingezogen wird, in einer fließenden Erzählung mit mehreren Charakteren, verdrehten Zeitlinien und sogar einem nicht endgültigen Tod verliert. Zuschauer, die mit der Arbeit der Quays vertraut sind, insbesondere mit ihrem einflussreichen Kurzfilm „Street of Crocodiles“ aus dem Jahr 1986, der ebenfalls von Schulz adaptiert wurde, werden besser auf die kunstvollen Kuriositäten und Rätsel dieser neuesten Produktion vorbereitet sein. Dieser Film, der dieses Jahr auf der Sidebar der Venice Days uraufgeführt wurde, ist auf eine breite Festivalaufführung, einen begrenzten Arthouse-Vertrieb und eine Kult-Anhängerschaft eingestellt. Die Quays, die mittlerweile Ende siebzig sind und namhafte Anhänger wie Christopher Nolan haben, zeigen kein Interesse an Mainstream-Erfolg.

Als Filmliebhaber fühle ich mich in die rätselhafte Welt des Sanatoriums Karpaty hineingezogen, das 1937 am Fuße der Karpaten liegt – ein Jahr, das an die Veröffentlichung eines Romans mit ähnlichem Titel und ähnlichen Themen erinnert. Der Film entfaltet sich in dieser geheimnisvollen Atmosphäre, nicht so sehr durch eine Erzählung, sondern durch gemeinsame Themen mit Kafkas Werk. Doch um dieses Setting zu erreichen, navigieren wir zunächst durch eine komplizierte Handlung rund um ein fragwürdiges Auktionshaus. Hier werden seltene Gegenstände versteigert, wie etwa die versteinerten Knochen einer mythischen Meeressirene, das flüssige Gold der Bienen und, was für den Film am relevantesten ist, eine „Maquette für das Grab einer toten Netzhaut“ – ein faszinierendes animiertes Diorama durch Sonnenlicht, das durch das konservierte Auge seines früheren Besitzers dringt. (Die grandiose Sprache des Films scheint als eigener trockener Witz zu dienen und verleiht ihm eine Ebene der Raffinesse.)

In der Maquette erzählt Andrzej Kłak leise die Geschichte von Joseph, einem entschlossenen jungen Mann, der sich auf eine lange Zugfahrt durch einen abgelegenen Teil Osteuropas begibt, auf dem Weg zum Sanatorium, in dem sein kranker oder verstorbener Vater lebt. Der leitende Arzt Gotard enthüllt, dass diese Institution in einem zeitlich unzusammenhängenden Zustand existiert, gefangen zwischen Realität und traumähnlicher Existenz; Möglicherweise entdeckt Joseph seinen Vater in irgendeiner Dimension lebend, aber nur durch eine qualvolle Erkundung der verwinkelten Gänge des Sanatoriums. Sanatorium als linear zu beschreiben, ist irreführend, denn Josephs Reise wird zunehmend chaotischer, während er sich mit Erinnerungen, Albträumen und der Realität auseinandersetzt, die ineinander verschwimmen, während sich die narrativen und visuellen Elemente des Films zu wiederholen und zu überlappen beginnen.

Obwohl die Handlung des Films immer komplexer wird, ruft sie dennoch eine erschreckende emotionale Wirkung hervor. Während Jozef in den Abgrund hinabsteigt, werden die intensiven Gefühle von Kummer, Angst und Sehnsucht anschaulich dargestellt und durch die bedrückend schöne Animation erlebt – zarte, spindeldürre Puppenfiguren in gealterten Zinn- und Staubtönen, wobei jedes Bild einem antiken Steampunk-Display ähnelt, gespiegelt in einem angelaufenen Spiegel. Die Musik und Klanglandschaften von Timothy Nelson tragen zu diesem spröden, eindringlichen Schlafliedeffekt bei. Das gedämpfte Licht und die spinnennetzartige Atmosphäre fordern unsere volle Aufmerksamkeit, nicht nur bei der verschachtelten Handlung, sondern auch bei der komplizierten, unzusammenhängenden Erzählung. Dies trägt zur unheimlichen Qualität des Films bei, als wäre er ein mysteriöses Artefakt aus einer unbekannten Zeit oder einem unbekannten Ort.

Die Animation fügt sich nahtlos in Live-Action-Szenen ein und schafft ein jenseitiges Erlebnis, da sie absichtlich unscharf und verzerrt sind und an frühe Kinofilme oder klassische Inhalte für Erwachsene erinnern. Es ist unklar, wo diese Sequenzen in die rätselhafte Erzählstruktur des Films passen: Vielleicht dienen die menschlichen Charaktere als beunruhigende, unzusammenhängende Fantasien für die Holz-, Ton- und Federpuppen in „Sanatorium“, die trotz ihrer materiellen Konstruktion ramponiert und verletzt wirken. Das neueste Werk der Quays ist so verwirrend, dass die Realität noch etwas verwirrender erscheint, wenn das Licht angeht und wir blinzelnd und blinzelnd aus dem Theater stolpern und in unsere vertraute Welt zurückblicken.

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2024-09-02 16:46