Oliver! Rezension: Eine Dickens-Show

Oliver! (Chichester Festival Theatre) 

Als erfahrener Theaterkritiker mit einer Vorliebe für das Unkonventionelle habe ich eine ganze Reihe von Produktionen gesehen, die den Status quo in Frage stellen. Aber keines hat meine Fantasie so sehr angeregt wie die aktuellen Angebote in Londons gewagtesten Off-West End-Veranstaltungsorten.

Die Wirkung dieses Ausrufezeichens ist enorm! Lionel Bart verwandelte Dickens‘ klassischen Roman „Oliver Twist“, der sich mit den Themen erdrückende Armut, Kinderausbeutung und Mord beschäftigt, in eine skurrile Geschichte. Voller fröhlicher Cockney-Possen und eingängiger, unvergesslicher Lieder.

Als Cameron Mackintosh gerade 13 Jahre alt war, war er von der Bühneninszenierung von „Oliver!“ aus dem Jahr 1960 zutiefst verzaubert. Dieses Erlebnis hinterließ bei ihm unauslöschliche Spuren und von da an spielte dieses klassische Musical eine bedeutende Rolle auf seiner Theaterreise.

Im Alter von 19 Jahren fungierte er sowohl als stellvertretender Bühnenmanager als auch als Schauspieler und verkörperte während der ersten Tournee der Produktion einen Kuchenmann.

Als Produzent erweckte er 1994 eine beeindruckende und extravagante Inszenierung des Stücks zum Leben, bei der Sam Mendes Regie führte und Matthew Bourne die Choreographie übernahm. Diese Produktion lief über drei Jahre. Später wurde es von Rupert Goold wiederbelebt, wobei Rowan Atkinson und andere als der schlaue Fagin zur Besetzung stießen.

Mackintosh lässt sich von Fagins Ansatz inspirieren und reflektiert die Produktion dreißig Jahre später. Da Bourne sowohl die Choreografie leitet als auch kreiert, präsentieren sie eine vereinfachte Version der Show, ohne dass namhafte Prominente beteiligt sind.

Obwohl diese Erzählung Bart und der lebendigen, derben viktorianischen Londoner Kulisse kompromisslos gewidmet ist, nimmt sie doch eine tiefere Ebene an. Es erkundet düsterere Themen und entwickelt sich im weiteren Verlauf zu einer fesselnden Geschichte, die beim Publikum Gänsehaut auslöst. Aaron Sidwell liefert eine gruselige Darstellung von Bill Sikes, dessen bedrohliche Präsenz durch eine grausige Schädelnarbe gekennzeichnet ist.

Die lebhaften Tänzer von Bourne, gekleidet in Petticoats und gefedert für hohe Tritte, bedecken die gesamte Bühne. Während sich die Drehscheibe ständig dreht, schafft Lez Brotherston eine lebendige Kulisse voller chaotischer Schönheit Londons. Das Design erweckt die lebendige Energie der Straßen zum Leben, komplett mit verschwommenen, trüben Darstellungen der Themse und der St. Paul’s Cathedral in der Ferne sowie beunruhigenden Einblicken in verborgene Grausamkeiten hinter verschlossenen Türen.

Die unterernährten Waisenkinder im Arbeitshaus wirken besorgniserregend dünn, es scheint, als würden ihre mageren Rationen von dem gefräßigen Duo aus Mr. Bumble von Oscar Conlon-Morrey und Witwe Corney von Katy Secombe an sich genommen. Diese beiden sind in ihrem Appetit auf Essen unstillbar.

Auch wenn die Dinge düster erscheinen mögen, scheint Oliver, gespielt von Cian Eagle-Service, von dem schrulligen Paar Sowerberry, das ihn in einem Sarg schlafen lässt, unbeeindruckt zu sein. Dieses einzigartige Duo verleiht der Produktion eine ungewöhnliche Dynamik. (Die Show ist voller unerwarteter Paarungen.)

Unter der Anleitung von Billy Jenkins‘ schlauem und höflichem Artful Dodger entdeckt er in Fagins Höhle eine Fülle von Gin und Vergnügungen. Der gerissene und flinke Anführer dieser Diebesbande, von Simon Lipkin als bezaubernder mitteleuropäischer Mann mit ausdrucksstarken Kajalaugen und Johnny-Depp-artigem Charme dargestellt, holt auf magische Weise Münzen hinter seinem Ohr hervor. Fagin, gespielt von Lipkin, scheint seine Gruppe verlorener Jungs wirklich zu mögen, anstatt eine beunruhigende Stimmung auszustrahlen.

Lipkin zeigt zeitweise ein leichtes Übermaß an Improvisation und durchbricht die vierte Wand, um sich über sich selbst und die Produktion lustig zu machen. Er vermittelt jedoch wirkungsvoll die Vorstellung, dass Fagins rücksichtslose Ausbeutung kleiner Jungen und seine extreme Genügsamkeit gerechtfertigte Maßnahmen für seine zukünftige Sicherheit sind. Dennoch ist es Shanay Holmes‘ Darstellung von Nancy, die wirklich fesselt und eine Figur enthüllt, die in „As Long As He Needs Me“ ein Leben lang Erniedrigung, Trotz, Verwüstung und Zerstörung durch ihre eigene Selbstaufopferung ertragen musste.

Ein West End-Lauf wurde bereits angekündigt. Wer könnte mehr verlangen?

Bis 7. September.

Fangirls (Lyric Hammersmith, London) 

Als Lifestyle-Experte, der immer auf der Suche nach aufregender neuer Unterhaltung ist, möchte ich Ihnen Folgendes sagen: Wenn Sie schon einmal in einen Teenager verknallt waren, machen Sie sich bereit für eine entzückende Fahrt mit dieser funkelnden Musical-Komödie aus Down Under! Es war ein enormer Erfolg in Australien, und glauben Sie mir, Sie sollten es sich nicht entgehen lassen. Die Geschichte dreht sich um die 14-jährige Edna, gespielt von der talentierten Jasmine Elcock, die ihr Fangirling auf eine ganz neue Ebene hebt. Es ist eine herzerwärmende und urkomische Reise, die Sie in Ihre eigenen Teenagerjahre zurückversetzt!

Als besessener Fan des bezaubernden Frontmanns von Heartbreak Nation, Harry (Thomas Grant), kann ich, Edna, die Stipendiatin, nicht anders, als von seinen wallenden Locken und seiner gefühlvollen Stimme fasziniert zu sein. Jede Note, die er singt, hallt tief in mir wider und entfacht eine Flamme der Leidenschaft, die meine unnachgiebige Bewunderung für dieses musikalische Wunderkind schürt.

Brianna (Miracle Chance), die freundliche Vermittlerin unter ihnen, und Jules (Mary Malone), die sich nach Aufmerksamkeit sehnt, versuchen, Karten für den Auftritt der Band in Sydney zu ergattern. Caroline (Debbie Kurup), eine alleinerziehende Mutter und Ednas Vormundin, kann sich die Kosten jedoch nicht leisten. Stattdessen lädt Jules nur Brianna ein.

Edna schmiedet einen Plan mit ihrer Online-Begleiterin und Harry-Fanfiction-Mitarbeiterin Salty (Terique Jarrett). Nach Harrys Auftritt beschließen sie, die Gelegenheit zu nutzen. Sie sind davon überzeugt, dass sein Ruhm ihn gefangen hält, und glauben, dass sie fliehen sollten, genau wie die Charaktere in einer von Ednas Geschichten. Bevor sie jedoch entkommen können, muss sie Harry in ihrem eigenen Schlafzimmer verstecken.

Zu gegebener Zeit gewinnen wir im Rhythmus eines gut komponierten Liedes Erkenntnisse aus Erfahrungen, leisten Wiedergutmachung und entwickeln uns zu einer verbesserten Version unserer selbst.

In einem leichteren, verspielteren Ton kontrastieren die komischen Momente der Inszenierung gelegentlich mit den tieferen Themen. Zu diesen Themen gehören die Isolation von Teenagern, Selbstverletzung und Scheidung der Eltern, die Blake zwar andeutet, aber nicht vollständig untersucht.

Regisseurin Paige Rattray verwaltet ihre junge Besetzung effektiv und verleiht der Produktion lebendigen Enthusiasmus. Die lebendige Atmosphäre wird durch die kühne Choreografie von Ebony Williams und das außergewöhnliche Lichtdesign von Jessica Hung Han Yun deutlich verstärkt, was beim Publikum ein elektrisierendes Stadiongefühl erzeugt.

Als Lifestyle-Experte hatte ich das Vergnügen, die fesselnde Darbietung von Mr. Grant und Miss Elcock aus nächster Nähe zu beobachten. Ihre Stimmen harmonieren perfekt und erinnern an den Sound einer Boyband. Obwohl ihr Gesang beeindruckend ist, folgen einige ihrer Lieder einem ähnlichen Muster innerhalb des Boyband-Genres.

Bis 24. August.

Red Speedo (Orange Tree Theatre, Richmond) 

Manche Menschen fühlen sich möglicherweise aus unpassenden Beweggründen zu Red Speedo hingezogen, beispielsweise weil sie die Möglichkeit haben, anderthalb Stunden in Gesellschaft der attraktiven Finn Cole von Peaky Blinders zu verbringen, die nur die charakteristischen roten Badehosen trägt.

Als Lifestyle-Experte bin ich auf viele Geschichten gestoßen, die sich mit der Komplexität der menschlichen Natur befassen. Ein Stück, das mich wirklich beeindruckt hat, ist Lucas Hnaths Werk über Ray, einen amerikanischen Schwimmer, der vor einer schwierigen Entscheidung steht. Er steht kurz davor, sich für die Olympischen Spiele zu qualifizieren und einen lukrativen Sponsorenvertrag abzuschließen. Doch um dieses Ziel zu erreichen, gerät er in Versuchung, leistungssteigernde Medikamente zu nehmen. Dieses Drama ist nicht nur sorgfältig inszeniert, sondern stellt auch fesselnde Dilemmata dar, die einem zu Herzen gehen. Aus eigener Erfahrung habe ich Menschen gesehen, die mit ähnlichen ethischen Dilemmata zu kämpfen hatten, was dieses Stück zu einem Muss für jeden macht, der die menschliche Verfassung verstehen möchte.

Als besessener Fan kann ich nicht umhin, Parallelen zwischen Hnaths außergewöhnlichem Schreiben und den brillanten Werken von David Mamet, dem renommierten Autor hinter Glengarry Glen Ross, zu ziehen. Tatsächlich bin ich fest davon überzeugt, dass Wissenschaftler der Mamet-Literatur es für angebracht halten würden, Hnaths Stück aus dem Jahr 2013 in „Speedo-the-Plow: Ein modernes Mamet-Meisterwerk“ umzubenennen.

Ähnlich wie Mamet porträtiert dieser Autor gewöhnliche Amerikaner, die mit komplexen moralischen Dilemmata zu kämpfen haben. Ein Hauch griechischer Tragödie ist ebenfalls vorhanden und bereitet den ahnungslosen und komisch naiven Schwimmer auf subtile Weise auf den endgültigen Untergang vor, der sich allmählich entfaltet.

Peter, Rays ehrgeiziger Anwaltsbruder, gespielt von Ciaran Owens, möchte unbedingt aus Rays kommerziellem Wert Kapital schlagen und überredet seinen skeptischen Trainer Fraser James, den mutmaßlichen Dopingvorfall nicht den zuständigen Behörden zu melden.

Trotzdem steht Ray unter dem Einfluss seiner hartnäckigen, ehemaligen drogenabhängigen Ex-Freundin Lydia (Parker Lapaine). Er glaubt, dass sie ihn mit den anabolen Steroiden versorgen wird, die er braucht, um sein gesteigertes sexuelles Verlangen aufrechtzuerhalten.

In Matthew Dunsters bemerkenswerter Inszenierung im Orange Tree Theatre erreicht alles ein humorvolles und gewalttätiges Finale.

Anna Fleischle entwirft Rays Trainingsbäder mit einem kleinen, sargähnlichen Becken mit Aluminiumstufen vor dem Hintergrund des gesamten Theaters, das in sanfte blaue Wellen getaucht ist.

Die von Holly Khan erzeugten Klänge haben ein Echo, das an eine Sporthalle erinnert, während jede neue Szene durch ein scharfes Hupen signalisiert wird, was zu einer prägnanten, übersichtlichen und augenschonenden Darbietung führt.

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2024-07-26 04:05