„Kill the Jockey“-Regisseur über „Wild World“ of Horse-Racing und seinen nächsten Film über einen „Crack-rauchenden Priester in Bolivien“ (EXKLUSIV)

Als Bewunderer der Arbeit von Luis Ortega bin ich fasziniert von seinem einzigartigen Geschichtenerzählen und seinem Talent, in die Feinheiten der menschlichen Natur einzutauchen. Sein neuestes Meisterwerk „Kill the Jockey“ ist ein Beweis für seine Fähigkeit, fesselnde Charaktere zu erschaffen und sie in absurde, aber zum Nachdenken anregende Erzählungen zu verweben.

Luis Ortegas ausgefallene Komödie „Kill the Jockey“, die in Venedig läuft, dreht sich um die argentinische Pferderenngesellschaft. In einem Interview mit EbMaster beschrieb er es als eine „wilde, wilde Umgebung“. Er fand die Jockeys und Pferdebesitzer ganz außergewöhnlich und fügte hinzu, dass sie so unberechenbar und aufregend seien. Bemerkenswert ist, dass diese Jockeys bei jedem Rennen ihr Leben aufs Spiel setzen.

Remo Manfredini, unser Hauptprotagonist, weist offensichtliche psychische Probleme auf, denn seine starke Abhängigkeit von Drogen und Alkohol führt dazu, dass er vom Pferd stolpert, bevor es überhaupt davongaloppiert ist. Doch trotz dieser Probleme behält er die Haltung und das Flair eines Matadors. Der argentinische Filmemacher, der „El Angel“, einen Film über einen kaltblütigen Mörder, gedreht hat, bemerkt: „In diesem Verhalten steckt definitiv ein starkes Gefühl von Stolz.“

Remo, dargestellt von Nahuel Pérez Biscayart, hält oft Abstand zu seinen Mitrennfahrern und wirkt möglicherweise distanziert. Dieses Gefühl der Isolation ähnelt dem, das auch Regisseure in dieser Branche empfinden, die sich manchmal unverbunden und verwirrt fühlen, wenn sie mit anderen über Themen wie das Filmemachen diskutieren oder wenn ein Jockey beispielsweise Schwierigkeiten hat, das Gespräch über das Reiten von Pferden zu verstehen.

Über Pérez Biscayart, der einen Cesar für „120 BPM (Beats Per Minute)“ gewann, sagt Ortega: „Er ist zweifellos unser bester argentinischer Schauspieler. Er operiert auf einer völlig einzigartigen Ebene. Er ist nicht nur ein Genie; er verkörpert das Chaos von.“ alles um ihn herum und gedeiht im Absurden.

1. Der Film hat einen satirischen Geist und stellt die argentinische Gesellschaft als gefährliches und korruptes Reich voller Gewalt dar. Er nutzt diesen Ansatz oft, um den Überblick über die Komplexität des Lebens zu behalten. Im Wesentlichen dient es ihm als Überlebensmechanismus, und er möchte dem Charakter diese Perspektive vermitteln und ihm helfen, seine eigenen Herausforderungen zu meistern.

Obwohl diese Geschichte vor dem Hintergrund von Buenos Aires spielt, weicht sie von der konventionellen Erzählung ab, die man von einem argentinischen Film erwarten würde. Meiner Meinung nach hätte ich den Film leicht woanders drehen können, vielleicht in Russland, da es im Wesentlichen um Menschen und ihre Geschichten geht. Daher begnüge ich mich mit dem Fehlen einer spezifischen geografischen Identität. Timo Salminen, unser aus Finnland stammender Kameramann, hat an jedem Aki Kaurismäki-Film mitgearbeitet und dieser Produktion eine einzigartige, persönliche Note verliehen, die wirklich bemerkenswert ist. Folglich besitzt der Film eine ausgeprägte, unkonventionelle visuelle Ästhetik, die ihn von anderen argentinischen Filmen unterscheidet. Daher bin ich mit dem Fehlen einer traditionellen argentinischen Filmidentität zufrieden.

Ein auffälliges Element des Films ist das häufige Auftreten von Kleinkindern. Die Hauptfigur der Mafia, Remos Chef, wird fast immer mit einem Baby gesehen, und Remos Geliebte Abril (dargestellt von Úrsula Corberó aus „Money Heist“) erwartet ein Kind. Dies steht im Einklang mit einem der zentralen Themen des Films, der Erforschung des Zusammenhangs zwischen Schöpfung und Zerstörung, einem Konzept, das von William S. Burroughs inspiriert wurde, wie Ortega erklärt: „Er diskutiert, wie es ein Ende geben muss, damit es einen Anfang gibt.“

Als Filmliebhaber war ich vom Thema Babys zutiefst fasziniert, eine Faszination, die aus meiner bevorstehenden Elternschaft resultierte. „Ich stand kurz davor, Vater zu werden“, sagte ich oft, „und es hat mich wie nichts anderes in Anspruch genommen. Es war, als würden sich alle Dinge, die mit dem Baby zu tun haben, ständig in meinem Kopf abspielen.“

Einer der faszinierenden Aspekte des Films ist, dass Remo die Befreiung entdeckt, während er eingesperrt ist. Er erklärt: „Wenn man sich nicht mit dem Kampf beschäftigt, sich in die Gesellschaft, in der man lebt, einzufügen oder sich mit ihr auseinandersetzen zu müssen, verwirft man vielleicht unbewusst all diese Verantwortungen. Ich kenne Menschen, die eingesperrt waren und eine Transformation durchgemacht haben. Sie wurden.“ völlig unterschiedliche Individuen.

Im Anschluss an Ortegas nächstes Projekt folgt ein Film in Bolivien, der sich um einen Priester dreht, der Crack-Kokain konsumiert. Ihm zufolge dreht sich die Geschichte um einen Priester, der einer exzentrischen Schauspielerin begegnet, sich in sie verliebt und anschließend mit Crack bekannt gemacht wird. Die Handlung entfaltet sich dann, als er nach Bolivien reist, um mit Untergrundarbeitern zusammenzuarbeiten. Diese Menschen haben an der Oberfläche einen tief verwurzelten Glauben an Gott, verehren aber eine Statue des Teufels, wenn sie in die Unterwelt hinabsteigen, die sie als Domäne des Bösen wahrnehmen. Ortega findet diese Dichotomie und den Einsatz von Dynamit, das in Bolivien wie Zigaretten leicht zugänglich ist, faszinierend.

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2024-08-30 00:49