„Endlich“-Rezension: Claude Lelouchs bizarre Männerkrisenkomödie fühlt sich an wie ein Abschied

Als leidenschaftlicher Bewunderer von Claude Lelouch und seiner illustren Karriere muss ich sagen, dass „Endlich“ wie ein entzückender, wenn auch etwas chaotischer Liebesbrief an seine eigene Filmografie wirkt. Es ist, als würde man in die Gedanken eines alten Freundes blicken, der Jahrzehnte damit verbracht hat, Geschichten zu erfinden, und zu sehen, wie die Fragmente dieser Geschichten über den Bildschirm verstreut sind.

Vor fünf Jahren besuchte Claude Lelouch, der französische Autor und Regisseur, zum zweiten Mal den Ort seines bedeutendsten Karrieretriumphs mit „Die besten Jahre eines Lebens“, einem herbstlichen Nachfolger seiner bahnbrechenden Romanze „Ein Mann und ein Mann“ aus dem Jahr 1966 eine Frau.“ Diese Fortsetzung mit Jean-Louis Trintignant und Anouk Aimée in den Hauptrollen vermittelte in mehrfacher Hinsicht ein Gefühl der Nostalgie – denn es war ihr letzter Auftritt auf der Leinwand. Wer jedoch dachte, dass dies Lelouchs Abschied vom Filmemachen bedeuten könnte, der täuschte sich. Seitdem hat er bei drei Filmen Regie geführt, wobei sein neuester Film „Finally“ auf eine Art und Weise gestaltet ist, die seine Karriere als Ganzes zu fassen scheint, aber nicht auf eine schwerfällige oder bedeutungsvolle Art und Weise. Diese skurrile, unbeschwerte Produktion springt spielerisch zwischen Geschichten, Standpunkten, Zeiträumen und unterschiedlichen Interpretationen der Realität. Selbst ernste Themen, bei denen es um Leben und Tod geht, werden mit einer geradezu komischen Leichtigkeit behandelt.

Bei den Filmfestspielen von Venedig wurde außerhalb des Wettbewerbs Louis Lelouchs 51. Film gezeigt, der ihm einen Karrierepreis einbrachte. Dieser Film, der für Lelouchs glühendste Fans gedacht ist, ist ein introspektives Werk, das manche vielleicht als übermäßig selbstgefällig empfinden. Der Film wird am 13. November in Frankreich in die Kinos kommen, könnte aber woanders Schwierigkeiten haben, ein Publikum zu finden. Begeisterten Anhängern dürfte es Spaß machen, die zahlreichen Insider-Witze und Anspielungen auf Lelouchs eigenes Werk zu entschlüsseln. Diejenigen, die mit seinen früheren Werken nicht vertraut sind, könnten sich jedoch in den dramatischen Wechseln des Films zwischen Slapstick-Komödie und tränenreichen Melodramen verlieren, komplett mit musikalischen Zwischenspielen, wie im Vorspann versprochen, der den Film als „eine zum Leben erweckte musikalische Fabel“ bezeichnet von Claude Lelouch. Wenn Sie angesichts dieser Elemente zusammenzucken, ist es möglicherweise das Beste, einen Schritt zurückzutreten.

Der Film schließt mit der Herstellung von Verbindungen zu den Charakteren, Handlungssträngen und sogar musikalischen Motiven aus dem Film „Money Money Money“ von 1972 und dem Film „Happy New Year“ von 1973, beides Krimis mit Lino Ventura in der Hauptrolle. Diese Szenen werden im neuen Film als Rückblenden gezeigt, ihre Relevanz für die aktuelle Geschichte ist jedoch möglicherweise nur für den Regisseur erkennbar. Die Hauptfigur, der Anwalt mittleren Alters Lino Cassaro (gespielt vom Komiker Kad Merad), hat denselben Namen wie der kriminelle Protagonist aus „Money Money Money“. Es ist möglich, dass LeLouch eine selbstreferenzielle Aussage über die Dualität macht, aber eine einfachere Interpretation ist, dass Cassaro Venturas Sohn ist, der aufgrund der zwielichtigen Vergangenheit seines Vaters dazu getrieben wird, das Gesetz aufrechtzuerhalten.

Lino Jr., ein wohlhabender Anwalt, der mit der berühmten Schauspielerin Léa (Elsa Zylberstein) verheiratet ist, scheint eine unkonventionelle Entscheidung getroffen zu haben, alles aufzugeben und sich auf ein Solo-Wanderabenteuer durch Frankreich zu begeben. Dieser spontane Akt wird jedoch durch eine rätselhafte neurologische Erkrankung im Zusammenhang mit dem Filmemachen ausgelöst, die ihn aus unerklärlichen Gründen seiner Fähigkeit zum Lügen beraubt. Dieser Zustand verursacht im weiteren Verlauf Komplikationen für seine Karriere und seine Ehe.

Auch hier ist eine schwerwiegendere neurologische Störung am Werk, wie wir im Verlauf seiner episodischen, golden beleuchteten Reise erfahren, bei der er unterwegs Kontakte zu verschiedenen bodenständigen Menschen knüpft – insbesondere zu einem vernachlässigten Klavierspieler. spielt die Bäuerin (Françoise Gillard), die eifrig auf seinen Hauptvorschlag reagiert, sie solle sich „The Bridges of Madison County“ ansehen. Eine weitere Nebenhandlung, die ziemlich abrupt in das Verfahren eingebunden wird, dreht sich um einen weiteren Nachkommen von „Money Money Money“: Linos Halbschwester Sandrine (Sandrine Bonnaire), die Tochter eines Aktivisten für die Rechte von Sexarbeiterinnen (gespielt von Nicole Courcel im Film von 1972), die auch heute noch für die Sache ihrer Mutter kämpft.

Es ist eine Entwicklung, die sich seltsamerweise inmitten all des Firlefanz, das den Film umgibt, einfügt, ebenso wie einige willkürliche Rückblenden aus dem Zweiten Weltkrieg – besonders seltsam untermalt von einer lebhaften, flotten Jazzmusik des gefeierten Trompeters Ibrahim Maalouf, die für Nicht-Fans den größten Vorteil des Films darstellen dürfte Direktor. Komplementärer zur musikalischen Gestaltung des Films ist Linos Leidenschaft für das Trompetenspiel, die er im Laufe seiner Reise entdeckt hat. Dies ermöglicht leider mehrere Wiederholungen einer schmerzlich-skurrilen Ballade über die Romanze zwischen einem Horn und einem Klavier, beschert uns aber zumindest eine denkwürdig seltsame Szene, in der unser Held am Renntag in Le Mans auf seinem Instrument herumspielt, während Autos kreischen und rauschen unten.

In einem Stil, der an freie Assoziationen erinnert, verwendet Cutter Stéphane Mazalaigue abrupte Wechsel und plötzliche Stimmungswechsel, dennoch scheint der Film mit seiner Unzusammenhängendheit zu kämpfen. Die Kameraarbeit von Maxine Heraud ist digitaler Natur und schwankt zwischen stark stilisierten Filtern und einem rohen, offenen Look, schafft es aber nicht, die Romantik des klassischen Lelouch hervorzurufen. Stattdessen ist es der wiederkehrende Titelsong, wunderschön gesungen von Merad und der Eurovision-Sensation Barbara Pravi (in der Darstellung von Linos Tochter), der die Essenz des Films während seines ergreifenden Höhepunkts einfängt. Der Text „Das Leben jagt uns, umarmt uns, ersetzt uns“ spiegelt die chaotische, rätselhafte Natur dieses Films wider – ein Gefühl, das sich in jeder einzelnen Szene widerspiegelt.

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2024-09-03 09:16