„Emmanuelle“-Regisseurin Audrey Diwan verrät die Geheimnisse hinter ihrem Erotikdrama, von falschen Orgasmen bis zum Geist von Wong Kar-wai

Als Filmliebhaber und Kritiker mit einem scharfen Blick fürs Detail bin ich von der einzigartigen Herangehensweise dieses Kreativteams fasziniert, „In the Mood for Love“ in der Hoteleinrichtung zum Leben zu erwecken. Die subtile Anspielung auf Wong Kar-wais Meisterwerk ist nicht nur ein Beweis für den anhaltenden Einfluss des Films, sondern spiegelt auch die nachdenkliche und introspektive Herangehensweise des Regisseurs an das Geschichtenerzählen wider.

Zum Auftakt des San Sebastian Film Festivals 2021 dient Audrey Diwans „Emmanuelle“ als überraschende Fortsetzung ihres preisgekrönten Films „Happening“. Oberflächlich betrachtet mag es so erscheinen, aber mal sehen, welche Wendungen uns in dieser neuen Produktion erwarten.

Anstatt es direkt auszudrücken, entschied sich der Filmemacher für eine Strategie ähnlich dem Original und konzentrierte sich auf eine literarische Übersetzung, um das Eintauchen in die Sinne des Publikums zu intensivieren und insbesondere das schwer fassbare Streben nach körperlicher Befriedigung zu erforschen. Diwan teilte EbMaster mit: „Das Ziel war im Wesentlichen eine Verjüngung. Es ging darum, diese Empfindungen wiederzubeleben und sie dann an die Zuschauer weiterzugeben.“

Die Adaption des Romans „Emmanuelle“ aus dem Jahr 2021 präsentiert eine neue Interpretation, in der Emmanuelle, jetzt Mitte Dreißig (dargestellt von Noemie Merlant), als gemächliche Hotelinspektorin fungiert, deren Aufgabe es ist, die Qualität zu beurteilen, insbesondere für ein High-End-Hotel in Hongkong . Dieses Hotel wird von Naomi Watts geleitet und beherbergt Berichten zufolge einen rätselhaften Gast, gespielt von Will Sharpe, der der Kulisse eine geheimnisvolle Ebene verleiht.

In diesem Film ist die Konzentration auf das Vergnügen unbestreitbar vorhanden, greift jedoch häufig zu kurz und taucht ebenso tief in die Enttäuschung wie in die Hochstimmung ein. Als Rezensent des Films kann ich Diwan bestätigen, dass „das Vergnügen und die Jagd danach rätselhaft bleiben sollten.“ Meiner Meinung nach versucht dieser Film, dieses Thema aus persönlicher Sicht zu untersuchen, ohne eine endgültige, allumfassende Antwort zu geben. Schließlich wird Ihnen jede Frau sagen, dass Vergnügen eine einzigartig individuelle Konnotation hat.

Wie haben Sie sich für dieses Nachfolgeprojekt zu „Happening“ entschieden?

Persönlich bin ich vorsichtig, wenn es um Komfort geht, da meine Kreativität von Leidenschaft und Angst lebt – Emotionen, die mich dazu zwingen, drei Jahre einem Projekt zu widmen. Als meine Produzenten „Emmanuelle“ vorschlugen, war ich daher nicht leicht zu überzeugen, da ich den Originalfilm zwar nicht vollständig gesehen hatte, die Romanvorlage jedoch faszinierend fand. Nach etwa zwei Dritteln nimmt die Handlung eine unerwartete Wendung und macht fast 100 Seiten Pause, um sich in eine Diskussion über das Wesen des Verlangens zu vertiefen. Dies löste einen Gedanken aus: Könnte Erotik immer noch als starke erzählerische Kraft dienen und wie könnten Themen aus dem Jahr 1967 auch heute noch nachhallen? Könnten diese Ideen in zeitgenössischen filmischen Begriffen neu interpretiert werden?

Wie so?

Im Kern dreht sich die Erotik um den Kontrast zwischen dem Offenbarten und dem Verborgenen. In den 70er Jahren bestand der Reiz darin, mehr zu zeigen, was den ersten Film zu einem großen Erfolg machte. Ich fand jedoch, dass die unsichtbaren Aspekte faszinierender waren. Ich wollte diese Spannung verstärken, indem ich die Zuschauer dazu ermutigte, sich aktiv am Film zu beteiligen und zur Erzählung beizutragen. Dies reichte jedoch nicht aus, um die Investition zu rechtfertigen, bis ich mir das Konzept einer Frau ausdachte, die ihre Fähigkeit, Lust zu empfinden, verloren hat und sich auf die Suche nach der Wiedererlangung dieser Fähigkeit begibt. [Nach „Happening“] dachte ich, wenn ich Schmerz darstellen könnte, könnte ich das vielleicht auch zum Vergnügen tun.

Wie hast du diese Welt zu deiner eigenen gemacht?

Der Film untersucht die Beziehung einer Figur zur Welt und nicht nur ihr physisches Selbst. Bei der Neuinterpretation von „Emmanuelle“ wollte ich eine neue Perspektive bieten, indem ich mich auf eine reife Berufstätige statt auf eine junge Debütantin konzentrierte und diese Grundlage zur Entwicklung der Erzählung nutzte. Diese Art von Frau steht unter dem besonderen gesellschaftlichen Druck, sich zu übertreffen und jede Gelegenheit für neue Erfahrungen zu nutzen, die letztendlich die gleiche Botschaft bekräftigen: Sie sollten ständig Spaß haben und Erfolg haben. Dieses Streben kann jedoch überwältigend sein. Daher stellten sich meine Co-Autorin Rebecca Zlotowski und ich einen Handlungsbogen vor, in dem es darum geht, diese Erwartungen loszulassen, sich zu öffnen, eine Pause einzulegen und solche Forderungen zu verwerfen.

Warum sollte der Film in einem Luxushotel spielen?

Ein High-End-Hotel scheint während unseres Dreherlebnisses ewig und beständig zu sein, mit einem unvergänglichen Duft, Musik und Dekor. Wenn sich etwas verschiebt, kehrt es am nächsten Tag in seine Ausgangsposition zurück. Es herrscht ein Gefühl der Orientierungslosigkeit gegenüber dieser ewigen Gegenwart – eine verführerische und doch kalte Atmosphäre. Störungen kommen selten vor und selbst wenn sie auftreten, werden sie umgehend behoben. Auch Emmanuelle wird zu einem Werkzeug in diesem Bereich und konzentriert sich auf die Qualitätskontrolle, um den Genuss der Gäste zu maximieren. Sie räumt jedoch ein, dass diese Momente des Vergnügens orchestriert sind und Teil der Ästhetik des Hotels sind.

Sowohl das Setting als auch die Anwesenheit von Will Sharpe erinnern an „The White Lotus“.

Es ist auf jeden Fall faszinierend zu sehen, wie viele Filme und Serien sich mit diesem speziellen Thema befassen. Meiner Meinung nach teilt „The White Lotus“ den gleichen Erzählstrang, indem es sich mit dem Konzept von Fassaden und Einzigartigkeit befasst und verborgene Wahrheiten enthüllt. Die Hotelumgebung dient als Barriere und fördert ein Gefühl der Distanziertheit, und jeder scheint eine Art Schutzschicht zu tragen. Es gibt eine klare Kluft zwischen dem präsentierten Selbst und dem, was privat passiert, wobei das Establishment ein Bild zeitgenössischer Einsamkeit zeichnet. Wir begegnen Charakteren, können uns aber nicht wirklich mit ihnen verbinden. Das Hotel versprüht einen Hauch von Exotik, erfordert aber keine echte Interaktion mit der Welt.

In vielen privaten Momenten des Films ist Emmanuelle allein zu sehen. Warum sollte man einen solch selbstbefriedigenden Darstellungsstil betonen?

Diese leere Beziehung spiegelt die Sehnsucht wider, die Beziehungen zur Welt wiederherzustellen. Die Menschen sehnen sich nach Wiederkontakt, denn wahre Freude entsteht, wenn man aus der Isolation herauskommt und sich aufrichtig mit anderen auseinandersetzt. Letztendlich zielt der Film darauf ab, sich mit der erdrückenden Natur künstlichen Vergnügens auseinanderzusetzen. Irgendwann sehnt man sich danach, sich von der Oberflächlichkeit zu befreien, das Establishment zu verlassen, in dem jede Interaktion vorgegeben und vorbestimmt ist, ein Ort, an dem es so an Kreativität mangelt, dass es keinen Raum für Fantasie gibt. Dies ist der Moment, den ich betonen wollte – der Drang, sich zu befreien und tief durchzuatmen, nachdem ich mich gefangen gefühlt habe.

Im Gegensatz zu den Behauptungen einiger französischer Medien sollte der Film nicht als direkte feministische Neuinterpretation gesehen werden, und er präsentiert sich nicht auf eine übermäßig sinnliche Weise.

Ich stoße häufig auf die Bezeichnung „feministisch“, wenn ich über die Erforschung weiblicher Lust spreche, und es scheint, dass dies auch auf den Film „Emmanuelle“ aus den 1970er Jahren angewendet wurde. Während der Titel „Emmanuelle“ starke Assoziationen mit sich bringt, die die Erwartungen des Betrachters beeinflussen könnten, wollte ich ein Werk schaffen, das über konventionelle Normen hinausgeht, anstatt sie lediglich umzudrehen. Ein so geradliniger Ansatz wirkte zu einfach und hätte zu einem eingeschränkten Seherlebnis geführt.

Außerdem wollte ich die Sinnlichkeit des Films nicht nur auf explizite Sexszenen beschränken. Das würde sich eher anfühlen, als würde man einen glanzlosen Sportfilm drehen, verstehen Sie? Sinnlichkeit ist für mich ein übergeordnetes Gefühl. Es geht darum, eine Atmosphäre zu schaffen, die Neugier und Sehnsucht weckt. Während des Schreibprozesses habe ich mich wieder mit Jean Eustaches „Die Mutter und die Hure“ beschäftigt, und es hat mich daran erinnert, wie kraftvoll ein Dialog in einem sinnlichen Kontext sein kann. Sogar etwas so Alltägliches wie ein Sturm kann diese Emotionen hervorrufen, wenn er anschaulich dargestellt wird und in eine scheinbar perfekte Umgebung eindringt.

Als Anhänger kann ich nicht umhin, Parallelen zur filmischen Meisterschaft von Wong Kar-wai zu ziehen, wenn ich die Atmosphäre und die Erzählung in diesem Stück betrachte.

Ohne Zweifel erwähnen viele Menschen oft „In the Mood for Love“, wenn sie nach dem Namen eines Erotikfilms gefragt werden. Es geht jedoch eher um Charaktere, die sich zufällig in Fluren treffen und körperlich berühren. Ich finde diese Definition von Erotik faszinierend! Darüber hinaus ist es aufgrund seiner Beliebtheit schwierig, diesen Film nicht zu lesen, wenn man in Hongkong ist.

Die Covid-Beschränkungen hinderten mich lange Zeit daran, nach Hongkong zu reisen. Stattdessen fand ich online ein Hotel, das meine Aufmerksamkeit erregte, und beschloss schließlich, dort meine Aufnahmen zu machen. Später, als ich endlich in der Lage war, Orte vor Ort auszukundschaften, entdeckte ich weitere 40 Orte, blieb aber bei dem, den ich ursprünglich im Internet gefunden hatte. Eines Tages traf ich den Innenarchitekten des Hotels, der mir mitteilte, dass er den Raum mit dem Motto „In the Mood for Love“ entworfen hatte. Irgendwie ist die Ästhetik des Films subtil in das Design eingedrungen, und wir haben nicht versucht, davon abzuweichen.

Wie sind Sie an die intimeren Momente des Films herangegangen?

Wir haben es mit einem verborgenen Aspekt zu tun, nämlich der intensiven, ununterdrückbaren und schwer darzustellenden körperlichen Reaktion, die bei Frauen als Orgasmus bekannt ist. Dieser echte weibliche Höhepunkt wird jedoch häufig auf eine Weise dargestellt, die bei einer Frau, die solch ein Vergnügen wirklich erlebt hat, nicht ankommt. Diesen Moment darzustellen ist eine ziemliche Herausforderung, insbesondere für eine Schauspielerin wie Noémie, die etwas simulieren muss, das nicht überzeugend als vorgetäuschter Orgasmus vorgetäuscht werden kann.

Mein Ziel war es, mich von vertrauten Darstellungen zu lösen und etwas zu schaffen, das authentisch wirkt, obwohl es unwahr ist – ein Unterfangen, das sich als unermüdlich erwies. Nacht für Nacht folgte ein Versuch dem nächsten, doch ich hatte nie das Gefühl, dass wir auf dem richtigen Weg waren. Und dann, als die Erschöpfung einsetzte, erblühte die Inspiration. Noémie beobachtete, wie ihr Körper schlaff wurde, und sie ergriff ihn. Mit der Müdigkeit kam ein Moment der Klarheit – ein unermessliches Seufzen und Lächeln.

Wie sind Sie und Merlant mit dem Thema umgegangen?

Anstatt uns auf die Darstellung des physischen Aspekts weiblicher Charaktere zu konzentrieren, wie es normalerweise von ihnen erwartet wird, haben wir uns entschieden, uns mit ihren Gefühlen, Empfindungen und inneren Erfahrungen zu befassen. Anstatt die Kamera zu nutzen, um unsere eigene Perspektive darzustellen, wollten wir mit der Schauspielerin zusammenarbeiten und ihr die Möglichkeit geben, ihre Figur zu untersuchen und zu verstehen, während die Kamera auf sie reagiert und sich mit ihr beschäftigt. Mit Laurent Tanguy als Kameramann strebten wir danach, Bilder aufzunehmen, ohne dass die Kamera in den persönlichen Bereich eindringt oder in die Privatsphäre der Schauspielerin eindringt. Dieser Ansatz zielt darauf ab, die traditionellen Rollen zwischen Kamera und Schauspielerin zu unterwandern und eine dynamischere und interaktivere Beziehung zu ermöglichen.

Beeinflusst die Zusammenarbeit mit einem Schauspieler, der auch Regie führt, Ihre Beziehung am Set?

Tatsächlich tun sie es. Bemerkenswerterweise haben sowohl Noémie als auch Will einen Hintergrund als Regisseur, was unsere Zusammenarbeit besonders spannend machte, als wir uns in die Diskussionen über die Gestaltung vertieften. Sie erfassten instinktiv die Feinheiten beider Seiten der Kamera und spiegelten meine Perspektive wider. Für mich war es eine aufschlussreiche Erkundung.

Noémie begann zunächst eine Modelkarriere, die ihr ein tiefes Verständnis dafür vermittelte, wie sie ihren Körper angemessen in Szene setzte und positionierte. Ihre Faszination für dieses Thema zeigt sich in ihrem selbst gedrehten Film „The Balconettes“. Die Auseinandersetzung mit diesen Themen hat ihr ein Gefühl der Befreiung vermittelt; Sie ist unglaublich freigeistig, da sie klar definiert, wie sie die menschliche Form darstellen möchte.

Will, der sowohl britischer als auch japanischer Abstammung ist, fühlte sich durch seine Arbeit dazu hingezogen, seine japanische Abstammung zu erforschen. Auch auf die Repräsentation achtet er stets. Mein Casting-Direktor schlug vor, dass wir uns gut verstehen würden, hielt sich aber bezüglich der Details zurück. Als ich ihn schließlich traf, erzählte er mir voller Freude, dass er Silvester mit ein paar Kindern verbracht hatte und beschloss, sich „Happening“ anzusehen, als die Uhr Mitternacht schlug. Er betrachtete es als Zeichen, dass er sich im kommenden Jahr über diese Fragen Gedanken machen sollte!

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2024-09-20 11:17