„Blitz“ baute und zerstörte praktische Sets, anstatt sich auf CGI zu verlassen: „Wir wollten, dass es sich anfühlt, als wäre eine Bombe explodiert.“

Als Filmkritiker mit einer Vorliebe für historische Epen muss ich sagen, dass „Blitz“ von Steve McQueen ein filmisches Wunderwerk ist. Die Zusammenarbeit zwischen McQueen und Produktionsdesigner Adam Stockhausen ist geradezu atemberaubend und entführt uns in das Herz des vom Krieg zerrissenen London während des Zweiten Weltkriegs.

Es ist klar, dass die Entstehung von Steve McQueens jüngstem Film „Blitz“ ohne die Beiträge des Produktionsdesigners Adam Stockhausen unmöglich gewesen wäre.

McQueen verlangte von ihm, dass er dabei behilflich sei, die Geschichte des feindlichen Angriffs auf London im Zweiten Weltkrieg möglichst authentisch darzustellen. Er wollte, dass der Großteil der Arbeit am Set erledigt wird, und Stockhausen war der ideale Kandidat, um die Bühnenbilder nicht nur zu bauen, sondern auch abzureißen – und zwar sogar vollständig.

Als Filmliebhaber schätze ich die Liebe zum Detail, die McQueen in seine Filme einbringt, besonders, wenn es um die Atmosphäre geht. Für ihn geht es nicht nur darum, die Folgen eines schweren Bombenangriffs mit in der Luft schwebenden Staubpartikeln einzufangen oder eine düstere Umgebung darzustellen, die durch die Verbrennung von Kohle entstanden ist – diese Elemente sind Geschichten für sich. Wie er es ausdrückt: „Er ist im Herzen ein Geschichtenerzähler. Eine einfache Mauer ist nicht nur eine Mauer; dahinter verbirgt sich eine Geschichte. Das ist es, was Adam auf den Tisch bringt.“

Für sie, Stockhausen und McQueen, ist die Zusammenarbeit nichts Neues. Sie arbeiteten bei „12 Years a Slave“ und „Widows“ zusammen. Laut McQueen sind Ehrlichkeit und Geradlinigkeit Schlüsselaspekte, die Stockhausen einbringt, um seine filmische Vision in dem Film mit Saoirse Ronan als verzweifelter Mutter auf der Suche nach ihrem Sohn George (Elliott Heffernan) zum Leben zu erwecken. McQueen beschreibt Stockhausen als Künstler und sagt, er lasse sich von ihm inspirieren.

Stockhausen und McQueen unterhielten sich mit EbMaster über ihren erzählerischen Ansatz für den Film, der am Freitag in den Kinos Premiere feierte und ab dem 22. November auf Apple TV+ verfügbar sein wird.

Welches war eines der ersten Sets, über das Sie gesprochen haben?

ADAM STOCKHAUSEN: Unser Fokus lag sowohl auf kleinen Details als auch auf großen Themen. Wir haben alles besprochen, von den Details der Texturen bis zur Wahl der Tapete, mit dem Ziel, ihr Leben greifbar und unmittelbar zu machen. Wir wollten ein authentisches Erlebnis schaffen, anstatt uns auf digitale Verbesserungen zu verlassen. Eine der ersten Szenen, die ich bearbeitet habe, war die, in der George am Fluss aufwacht und sich auf den Weg durch die Stadt macht, da wir glaubten, dass dies die schwierigste Umsetzung sein könnte. Es ging darum, einen Weg zu finden, diese Sequenz überzeugend darzustellen und sicherzustellen, dass Georges Lauf die richtige Erzählung über London und den bevorstehenden Angriff vermittelt. Alles wurde vor Ort in London gedreht, nicht anderswo. Zunächst erkundeten wir Wapping in East London und an den Piers, aber eins führte zum anderen und bald waren wir voll und ganz in das Projekt vertieft.

Was war wichtig an dem Haus der Familie und der Straße, in der sie leben?

STEVE MCQUEEN: Die Enge und Kleinheit dieser Häuser erzeugt bei den drei Bewohnern ein Gefühl der Nähe: Rita, George und der Großvater. Es ist, als würden wir in ein Nest spähen, und unser Film folgt der Reise eines Vogels, der sein Nest verlässt und versucht, nach Hause zurückzukehren. Ich fand es faszinierend, diesen Maßstab darzustellen, von der Enge ihres Schlafzimmers bis zu den geschäftigen Reihenhäusern draußen. George hatte sich nie über seine Nachbarschaft hinaus gewagt. Warum sollte er schließlich? Im weiteren Verlauf verlassen wir diese intime Umgebung und erweitern nach und nach unseren Wirkungsbereich, bis wir schließlich die St. Paul’s Cathedral und die U-Bahnstation erreichen.

Was mich als Filmliebhaber an Adams Darstellung am meisten faszinierte, war sein meisterhafter Umgang mit Ausmaß und Geschichte. In jedem Winkel Londons scheint es eine Geschichte zu geben, und Adam schien sich diese reiche Art des Geschichtenerzählens zunutze gemacht zu haben. Die Liebe zum Detail bei der Charakterentwicklung machte es umso glaubwürdiger und ließ uns in die von ihm geschaffene Welt eintauchen.

Eine weitere Sequenz, die faszinierend anzusehen war, war das Café Du Paris mit seinem Unterhaltungs- und Nachtleben, das später in den Vordergrund gerückt wird. Was steckt hinter dem Bau?

STOCKHAUSEN: Die Aufführung dieses Sets war fantastisch. Es war ein echtes Ereignis, nicht nur eine Simulation. Dadurch konnte die Geschichte die Intensität des Lebens offenbaren, das inmitten dieser Verwüstung unter den Straßen der Stadt blühte, und doch blieb das Leben bestehen. Dann präsentiert es uns einen 180-Grad-Kontrast, die totale Vernichtung. Der Ort ist authentisch und je tiefer wir in unsere Ermittlungen eintauchten, desto überzeugendere Fakten kamen zutage. Über die Lage der Küche im Verhältnis zur Tanzfläche haben wir nur getäuscht.

McQUEEN: Die Essenz des Werks liegt in seiner poetischen Natur. Das Spektakel der Explosionen hat mich nicht angezogen; Stattdessen war ich fasziniert von den Nachwirkungen, dem Übergang vom Vorher zum Nachher. Was diese Szenen so fesselnd macht, ist nicht nur der Aufbau großartiger Kulissen, sondern auch der Abbau derselben. Wie können wir ein Set zum Einsturz bringen, als ob eine Bombe explodiert wäre? Das ist Kunst und eine Herausforderung. Es ist mehr als nur die Verwendung eines Hammers oder eines Bulldozers; Es geht darum, eine Strategie zu entwickeln, wie man diesen Balkon zerstören kann. Das ist eine Diskussion. Im Café de Paris ging es um die Schwebe, den Tod, und es zeigte das Leben vor dem Tod. Die Staubpartikel und Taschenlampen, es ist ein wunderschöner Anblick, die Teamarbeit war fantastisch.

Als Filmliebhaber kann ich Ihnen sagen: Der Dreh dieser Szene war kein Kinderspiel. Das Set war buchstäblich mit Trümmern und Schmutz übersät. Wir haben bei unserer Zerstörung nichts unversucht gelassen, aber es war gelinde gesagt eine mühsame Aufgabe.

Was wurde in die U-Bahn-Stationen und deren Bau investiert, oder handelte es sich dabei um Standorte?

STOCKHAUSEN: Dies ist unser Zufluchtsort, Ihr Ziel. Inmitten der Flammen, des Chaos und der schrecklichen Ereignisse ist es uns gelungen, diesen Punkt zu erreichen. Aufgrund von Überschwemmungen konnten wir es an einem anderen Standort nicht erreichen und haben es stattdessen gebaut. Es geht jedoch nicht nur um diesen Teil; Außerdem mussten wir Rolltreppen, Verbindungsgänge und genügend Infrastruktur errichten, um den Eindruck einer ganzen Welt darunter zu erwecken.

Anstatt es aufgrund seiner enormen Größe in einem Tank unterzutauchen, entschieden wir uns dafür, es auf einer trockenen Plattform zu platzieren. Der Aufbau wurde mit einer riesigen Menge Gerüstrohren und Stahl verstärkt, um der drohenden Kraft der darauffolgenden kolossalen Wassermenge standzuhalten. Wir machten unsere Kreation sorgfältig wasserdicht und hielten erwartungsvoll den Atem an, während wir das Wasser eingossen.

McQUEEN: Dieses technische Wunderwerk war nicht nur eine bloße Illusion; Unser Ziel war Authentizität. Alle gewagten Stunts wurden von Eliott gekonnt ausgeführt und sorgten so für echte Erlebnisse. Wir wollten, dass diese Produktion greifbar und immersiv ist, eine Bindung zwischen dem Publikum und den Actionsequenzen herstellt und starke Emotionen hervorruft. Es ist Kino, und es berührt mich, dass es bei den Leuten Anklang findet, weil es eine emotionale Odyssee durch das Herz Londons darstellt.

Adam zeigte eine völlig einzigartige Perspektive auf London, die noch niemand zuvor gezeigt hatte, und fing das authentische Wesen ein. Das Stadtbild war bemerkenswert vielfältig und spiegelte verschiedene Kulturen wider.

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2024-11-07 21:47