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„Saturn Return“-Rezension: Spaniens Oscar-Einreichung ist ein chaotisch ehrliches und formal gewagtes Musik-Biopic

Als erfahrener Filmfan mit einer Vorliebe für unkonventionelle Biopics und einem Händchen für das Erkennen verborgener Schichten in Filmen muss ich sagen, dass mich „Saturn Return“ völlig in seinen Bann gezogen hat. Dieses spanische Juwel fängt mühelos die rohe, chaotische Energie einer kämpfenden Rockband, Los Planetas, auf eine Weise ein, die sowohl authentisch als auch visuell beeindruckend ist. Die Weigerung der Regisseure, sich an irgendwelche Subgenre-Konventionen zu halten, ist ein Hauch frischer Luft in der heutigen, allzu vorhersehbaren Kinolandschaft.

Ein Haufen Zigarettenasche sammelt sich auf einigen zurückgelassenen CDs in einem schwach beleuchteten Raum, in dem die Bandmitglieder von Los Planetas daran arbeiten, Tracks für ihr kommendes Album zu erstellen. Dieses kurze Bild vermittelt mehr als nur die Unordnung der Umgebung. Diese vermutlich beschädigten CDs können ein Zeichen einer rebellischen Respektlosigkeit gegenüber Musik in ihrem verpackten, verkaufsfähigen und gewinnbringenden Zustand sein. Für sie hat Musik nur dann eine Bedeutung, wenn sie ihre verborgenen emotionalen Narben zum Ausdruck bringt und von Drogen und der intensiven Spannung zwischen ihnen geprägt ist. Die Lieder erwachsen aus dem Chaos – sowohl dem Scheinbaren als auch dem Unsichtbaren in ihren Köpfen.

„Saturn Return“ von Isaki Lacuesta und Pol Rodríguez schildert meisterhaft eine Mischung aus kreativen und persönlichen Kämpfen auf der Leinwand, wobei dynamische visuelle Intensität und mutige Experimente zum Einsatz kommen, um das Festhalten an typischen Subgenre-Tropen zu vermeiden. Dieser aus einer verlockenden künstlerischen Vision entstandene Film ist eine der wahrheitsgetreuesten und belebendsten Musikbiografien der letzten Zeit. Es vermeidet das Polieren der Bilder seiner zutiefst problematischen Charaktere und zieht die Zuschauer stattdessen in ihren selbstzerstörerischen, poetischen und letztendlich erlösenden Kampf gegen ihre eigenen dunkelsten Tendenzen.

Als Filmliebhaber war ich in „Saturn“ vertieft, ein Film, der gekonnt das Gewöhnliche mit dem Außergewöhnlichen verbindet und die Charaktere inmitten ihrer selbstgemachten Ängste auf dem Boden hält. Es ist eine Reise, die uns von einer Zeit fesselnder Fiktion bis zu einer Aufnahmesession in New York City Ende der 90er Jahre führt. Im Gegensatz zu einer Ursprungsgeschichte erfordert „Saturn“ keine Vorkenntnisse, um Spaß zu haben. Wenn Sie den Film betreten, ohne zu wissen, wer Los Planetas sind, wird dies die bezaubernde Atmosphäre, die er um Sie herum erzeugt, nicht mindern.

„Saturn“, ein Film, besteht aus einer Reihe lose verbundener, intensiver Szenen – Träume und Proben, wie es in einem ihrer Lieder heißt – und zeichnet das Bild einer Musikgruppe oder, genauer gesagt, einer Dreierfreundschaft, die dagegen ankämpft Die Chancen, ihren früheren Erfolg zu wiederholen, werden nicht als sachliche Darstellung, sondern als surreale, legendenhafte Darstellung realer Menschen dargestellt und folgen der Band nach dem Triumph ihres ersten Albums und der Enttäuschung des zweiten Freigabe ist entscheidend; Wenn es scheitert, riskieren sie, die Unterstützung ihres Labels zu verlieren. Der spanische Titel „Segundo premio“ bezieht sich auf den Haupttitel ihres dritten Albums, „A Week in a Bus Engine“, der sich bemerkenswerterweise über die gesamte Dauer des Films entfaltet.

Im Film erhalten die Hauptfiguren keine Namen; Stattdessen werden sie als „The Singer“ (Daniel Ibáñez, der an der Seite von Javier Bardem in „The Good Boss“ spielte) und „The Guitarist“ (gespielt von einem echten Musiker namens Cristalino) identifiziert. Der Sonnenbrille tragende Sänger täuscht Gleichgültigkeit und emotionale Zurückhaltung vor, während das unberechenbare Verhalten des drogenabhängigen Gitarristen auf eine zerbrechliche, unter Druck stehende Psyche schließen lässt. Sowohl Ibáñez als auch Cristalino geben in diesem Film ihr Schauspieldebüt. Ihre Beziehung auf der Leinwand bleibt größtenteils unberührt von körperlichem Kontakt oder ausführlichen Dialogen. Zwischen ihnen liegt eine dicke Mauer, die es schwierig macht, ihre Absichten und Wünsche in dieser Partnerschaft zu verstehen. Ihre Auftritte schaffen eine Balance zwischen roher Authentizität und der lässigen Rockstar-Persönlichkeit ihrer Charaktere.

In den ersten Szenen verwenden Lacuesta und Co-Autor Fernando Navarro Voice-Over-Erzählungen, um auszudrücken, was die Hauptfiguren möglicherweise nur schwer einander direkt sagen können. Dieses Voice-Over stammt nicht von einer einzelnen Figur, sondern von verschiedenen Schlüsselfiguren, die die komplexe Beziehung zwischen den beiden Hauptdarstellern kommentieren, die als Hassliebe beschrieben werden kann. Unter diesen Charakteren bietet May (gespielt von Stéphanie Magnin), die explizit namentlich genannt wird und das dritte Kernmitglied der Band ist, die aufschlussreichste Perspektive. Sie spricht darüber, wie die Sängerin und der Gitarrist den Geist ihrer Heimatstadt Granada verkörpern. Auch wenn die kulturellen Nuancen über Spanien hinaus möglicherweise nicht allgemeingültig sind, ist es klar, dass eine Band die einzigartigen Eigenheiten der Stadt widerspiegeln kann, die sie als Individuen und Künstler geprägt hat.

Die Erfahrungen der Frau, die mit beiden gleichzeitig romantisch verwickelt war, unterstreichen ihren Kampf, Gefühle jenseits melancholischer Melodien offen auszudrücken. Während Lieder aus dem nebligen Hintergrund ihrer Erzählung hervortreten, werden Texte auf dem Bildschirm sichtbar, die nicht nur als Bildunterschriften, sondern im Original-Spanisch präsentiert werden, was darauf hindeutet, dass der Film zum Mitsingen gedacht war. Unabhängig davon, wer spricht, erkennt die Erzählung an, dass diese dargestellten Vorfälle, die sich im 20. Jahrhundert ereignen, aus einer antiquierten Ära stammen, die sich von unserer heutigen Welt unterscheidet. Die vielfältigen Blickwinkel deuten auf mögliche Verzerrungen in den Ereignissen hin – eine geistreiche Anerkennung, die alle Facetten des Films durchdringt, einschließlich Takuro Takeuchis dynamischer Kinematographie und der nahtlosen, aber nichtlinearen Anordnung der Momente im Schnitt.

In „Saturn Return“ befassen wir uns mit der angespannten Bindung zwischen Sänger und Gitarrist, Charakteren, deren Vergangenheit ein Rätsel bleibt. Durch die Texte ihrer Musik finden wir unseren Einstiegspunkt. Sie stehen zusammen, voller Geheimnisse, die es zu enthüllen gilt, und scheinen nicht in der Lage zu sein, zu sprechen. Stattdessen ist es, als ob ein Zauber gewirkt worden wäre, der sie zum Schweigen bringt. Ihre Bindung wird durch die Tiefe ihrer Persönlichkeiten und den Schmerz, den sie in sich tragen, genährt – Ursachen, die uns verborgen bleiben –, dass sich die Liebe offenbar nur durch destruktive Konfrontationen manifestiert.

Gegen Ende gibt es eine eindrucksvolle Einstellung, die „Die Rückkehr des Saturn“ auf den Punkt bringt und die ätherischen Figuren der beiden Männer zeigt, die sich überlappen, was die Idee symbolisiert, dass Freundschaft nur ein Geist ist, der in zwei physische Formen gespalten ist. Dieses Bild ohne tröstende Umarmungen oder herzliche Worte vermittelt eindringlich, dass die Musik, die während des Prozesses komponiert wurde, ein gemeinsamer Ausdruck zwischen ihnen war und jede Melodie eine melodische Hommage an ihre komplexe, manchmal giftige Liebe zueinander darstellte.

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2024-11-28 21:47