Dr. Strangelove hat Spaß an diesem thermonuklearen Wahnsinn, schreibt PATRICK MARMION

Als erfahrener Theaterbesucher mit einem Gespür für das Erkennen von Trends und einem Faible für zum Nachdenken anregende Inszenierungen muss ich sagen, dass diese beiden Stücke recht gegensätzliche Erlebnisse bieten.

Dr. Strangelove (Noel Coward Theatre, London)

Urteil: Armageddon ein Ticket 

Als treuer Fan muss ich darüber nachdenken, ob wir ihn Steve Sellers oder vielleicht Peter Coogan nennen sollten. Unabhängig davon, was er vorgibt, bringt der Komiker Steve Coogan den wahnsinnigen Geist des verstorbenen, großen Peter Sellers in einer seiner berühmtesten Rollen auf den Punkt: Stanley Kubricks düstere Satire auf das nukleare Armageddon, Dr. Strangelove oder Wie ich gelernt habe, mir keine Sorgen mehr zu machen Ich liebe die Bombe.

Dies ist der von Kinobegeisterten geliebte klassische Schwarz-Weiß-Film aus dem Jahr 1964, in dem Sellers verschiedene Rollen übernahm. Es beginnt mit einem fröhlichen Charakter eines britischen RAF-Offiziers, der die Aufgabe hat, einen wütenden amerikanischen General zu beruhigen, der versehentlich eine Flotte von mit Atomwaffen beladenen B-52-Bombern in Richtung Russland losgeschickt hat …

Darüber hinaus kämpft der US-Präsident mit der aktuellen misslichen Lage, und vergessen wir nicht die Titelfigur – ein Bond-artiger Bösewicht, ein Arzt aus Nazi-Deutschland, der fehlerhafte Prothesen trug. Dieses exzentrische Individuum wähnt sich in der Lage, das Unglück mithilfe eines veralteten Rechengeräts zu lösen, das als kreisförmiger Rechenschieber bekannt ist (für diejenigen, die nach 1970 geboren wurden, müssen Sie diesen Begriff möglicherweise online nachschlagen).

Es ist eine Tour de (bewaffnete) Kraft für Coogan, der zwischen seinen verschiedenen Rollen – und den damit verbundenen Perücken, Kostümen und Akzenten – hin und her schlüpft, ohne den Eindruck zu erwecken, dass er dabei ins Schwitzen kommt. Auch kein Haar fehl am Platz. 

Außer einmal, als er einen verrückten Piloten spielt und versucht, ein Feuer in seinem B-52-Bomber zu löschen, während dieser durch Berge im russischen Luftraum fliegt, um unter Radar zu geraten (Stichwort atemberaubende Projektionen des Polarkreises), muss er zurückspringen in die Haut von RAF-Mann Lionel.

Als eingefleischter Fan kann ich getrost sagen, dass Armando Iannuccis moderne Variante des 60 Jahre alten Klassikers nicht nur ein Update ist; Es ist eine sorgfältig ausgearbeitete Ode an das ursprüngliche Meisterwerk.

Der Film scheint eine eindeutig reife, männliche Bevölkerungsgruppe anzusprechen, der sein unbeabsichtigter historischer Sexismus vielleicht peinlich gewesen wäre. Diese potenzielle Peinlichkeit konnte jedoch durch den Verzicht auf spärlich bekleidete Frauen im Film vermieden werden.

Aber der thermonukleare Wahnsinn bleibt bestehen. Als Giles Terera, der einen der in Panik geratenen amerikanischen Generäle spielt, kreischt: „Du musst Waffen haben!“ Wie soll man sonst die Dinge zivilisiert halten!?‘

Im Film musste Iannucci nicht viele Änderungen an den Dialogen vornehmen, da Kubricks witzige Bemerkungen bereits perfekt waren, wie zum Beispiel der Appell des bedrängten Präsidenten an sein streitsüchtiges Team: „Hier kann man nicht streiten – das ist der War Room!“

Glücklicherweise arbeitet Sean Foleys akribisch organisierte Inszenierung auch mit militärischer Präzision. Ein kleiner Schluckauf in seiner Theatermission, und es hätte genauso gut zu einer Katastrophe oder einem Desaster werden können.

Ähnlich wie im Film kann es stagnierend oder bewegungslos wirken – vor allem, wenn man alle Generäle um einen riesigen runden Tisch im Pentagon sitzen sieht.

Aber machen Sie keinen Fehler. Dies ist eine beeindruckende Inszenierung, gespickt mit sensationell ausgefallenen Darbietungen, nicht alle davon von Coogan. 

Ich hatte eine besondere Zuneigung zu John Hopkins, der den Zigarre rauchenden General Ripper darstellte, den psychisch instabilen Charakter, der für das Chaos auf dem Luftwaffenstützpunkt „Burpelson“ verantwortlich ist und der so in seinem Wahnsinn versunken ist, dass er Coogan auf der Bühne beinahe sterben lässt.

Dr. Strangelove läuft bis zum 25. Januar 2025. 

Reykjavik (Hampstead Theatre, London)

Urteil: Fang des Tages

Vera Lynns bekannte Melodie „We’ll Meet Again“ erklingt, als am Ende von „Dr. Strangelove“ Bomben niedergehen; Humorvollerweise taucht dieses Lied in Richard Beans Reykjavik wieder auf, als einer der Charaktere, der im Island der 1970er Jahre gestrandet ist, eine weitere Portion Walfleisch erhält: „Walfleisch noch einmal …“

Bean ist vor allem für sein erfolgreiches Stück „One Man, Two Guvnors“ am National Theatre bekannt, genießt aber auch hohes Ansehen für seine detaillierten Werke wie „Under The Whaleback“, ein Stück, das sich mit der Fischereiindustrie seiner Heimatstadt Hull befasst er stammt aus.

Ein neues Szenario betrifft den in Schwierigkeiten geratenen Besitzer einer Fischereiflotte, John Hollingworth (aus Poldark), der gerade eines seiner Schiffe auf See verloren hat. Er bereitet sich nun auf seinen allerersten „Witwenspaziergang“ vor, eine Tradition, bei der er jede Witwe der gefallenen Seeleute an einem einzigen Tag zu Fuß besucht.

Nur hier schlägt ein neuer Pfarrer vor, dass Claxton ebenfalls nach Reykjavik gehen sollte, um vier Überlebenden zu helfen.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Produktion eine delikate Mischung aus Humor inmitten von Trauer bietet und eine Balance zwischen Mitgefühl, Provokation und der Sehnsucht nach einer früheren Zeit schafft – einer Zeit, in der Männer dem gefährlichen Ozean trotzten, um bis zu sechs Mahlzeiten Fisch zu sich zu nehmen.

Es ist plausibel, dass die Wiedergabelisten eine schwere Last tragen, da sie Elemente der Sozialgeschichte, traditioneller Fischereimethoden und Meeresfolklore mit lockeren Gesprächen vermischen, die an eine Taverne erinnern.

Anstatt über moralische Dilemmata zu diskutieren, entscheidet sich Bean für eine gruselige Erzählsitzung in Reykjavik, die an Conor McPhersons erfolgreiches irisches Stück The Weir erinnert.

Emily Burns leitet eine intensive, aber atmosphärische Inszenierung auf Anna Reids bemerkenswertem Set, das sich von einem kühlen Lagerhausbüro mit Blick auf den Hafen in einen konventionellen skandinavischen G-Plan-Pub verwandelt, in dem die ausgelassenen Seeleute gezwungen sind, ihrem alkoholfreien Bier Farbverdünner hinzuzufügen.

Obwohl Burns übermäßig dramatisch sein mag, ist dieses Stück von Bean besonders fesselnd. Es kombiniert gekonnt wettergegerbte Charaktere mit einem tiefen, emotionalen Unterton.

Reykjavik läuft bis zum 23. November.

Sommer 1954 (Theater Royal, Bath)

Urteil: Merkwürdig veraltet 

Aus meiner Sicht als Lifestyle-Guide finde ich es äußerst verwirrend, wie es einzelnen Menschen gelang, sich durch die eisige Höflichkeit und versteckte Unaufrichtigkeit der britischen Mittelschichtgesellschaft der Nachkriegszeit zurechtzufinden. Unnötig zu erwähnen, dass nicht alle unbeschadet überstanden haben. Und ich sage Ihnen, es war eine besonders herausfordernde Zeit für alleinstehende Männer, die zufällig schwul waren.

Der Dramatiker Terence Rattigan war unser bedeutendster Chronist dieser Ära, und jetzt werden zwei seiner Einakter dem heutigen Mittelschichtpublikum präsentiert, eine Theatertournee, die in der Branche als „Waitrose Tour“ bekannt ist. Auf dieser Tour besuchen Sie Orte wie Malvern, Cambridge, Chichester, Richmond, Cheltenham, Oxford und Bath.

In den Hauptrollen spielen die wundervolle, mittlerweile über 100 Jahre alte Dame Sian Phillips neben Lolita Chakrabarti (aus der BBC-Serie „Vigil“) und Nathaniel Parker (der ohrenbetäubende Inspektor Lynley von Beeb).

Zunächst haben wir Tisch sieben, an dem Phillips die Gäste einer eher formellen Unterkunft in Bournemouth davon überzeugen will, eine vermeintlich hochrangige Person (Parker) zu entlassen, die dabei erwischt wurde, wie sie am Strand Männer anwirbt (im Wesentlichen beim Cruisen oder „Cottage“).

Später, in der Browning-Version, nimmt sich Phillips eine Auszeit und Parker porträtiert einen pensionierten klassischen Lehrer, der von einem Schüler ein unerwartetes Geschenk erhält – eine Übersetzung einer griechischen Tragödie aus der Feder von Robert Browning. Dieses Geschenk offenbart die Risse in seiner Scheinehe mit einem Ehepartner (Chakrabarti), der in Beziehungen zu anderen Schulmitarbeitern Erfüllung findet.

Phillips spielt ihre Rolle mit bemerkenswerter Präzision und lässt ihre Figur fast schmerzhaft scharf wie eine Hutnadel wirken. Die Entscheidung von Regisseur James Dacre, sie zu besetzen, war äußerst aufschlussreich; Sie haucht einer Figur Menschlichkeit ein, die normalerweise als verabscheuungswürdiger Fanatiker angesehen wird, und macht es für uns einfacher, sie nicht völlig zu verachten.

In all seinen Auftritten stellt Parker einen schüchternen und liebevollen Charakter dar, der sich bemüht, sein Privatleben zu verbergen. Allerdings ist er in dem Stück „The Browning Version“ vor allem eine bemitleidenswerte Figur, die der Härte seines unzufriedenen Ehepartners ausgesetzt ist.

Zu Rattigans Zeiten bieten beide Stücke einen Einblick in die tiefen, emotionalen Reservoire, die sich unter der erstarrten Fassade englischer Höflichkeit verbergen.

Aber so sehr ich Behauptungen respektiere, dass Rattigans eigentliches Thema der grundlegende Anstand der Menschen war, wirken diese kurzen Stücke jetzt leicht komisch … und merkwürdig veraltet. Im Zeitalter von Love Island und Dating Naked wirken ihre sozialen Einstellungen wie ein historisches Mysterium.

Bis Samstag und dann auf Tour bis zum 15. Februar.

The New Real (The Other Place, Stratford)

Urteil: Trocken wie Staub

Angesichts des engen Rennens um die US-Wahlen ist David Edgars neues Stück, das die Kräfte untersucht, die Siege und Niederlagen prägen, bemerkenswert relevant.

Er zeichnet ein erschreckend plausibles Bild einer politischen Kampagne, in der es für die Wahlkämpfer ohnehin keine Probleme gibt, sondern nur „Herausforderungen“, wobei jeder unangenehmen Behauptung eine handliche Halbwahrheit oder „alternative Tatsache“ (die neue Bezeichnung für schlicht) gegenübergestellt wird Lügen).

In einem fiktiven Szenario stellt Edgar eine Wahl dar, die in einem unbekannten osteuropäischen Land stattfindet, das einst vom russischen Einfluss befreit war und jetzt unter der Demokratie floriert. Beide Parteien engagieren westliche politische Strategen und nutzen den Eurovision Song Contest als Plattform, um ihr Land als lebendiges, musikalisches Land zu präsentieren.

Das Stück beginnt mit verschwommenen Filmaufnahmen von politischen Führern der Nachkriegszeit: JFK, Nixon, Breschnew, Reagan, Thatcher, Gorbatschow, Cameron und einer schwangeren Samantha vor der Downing Street. Leider geht es mit einem ähnlichen Mangel an Fokus weiter.

Der Schreibstil ist prägnant und witzig. Die aus dem Norden stammende Beraterin Caro, die dafür bekannt ist, ihrer Zeit voraus zu sein, organisiert Fokusgruppen, um die Wahlpräferenzen verschiedener Gruppen zu ermitteln, ähnlich wie Fußballmütter und Wähler aus der Rust Belt-Region, die an nostalgischen Gefühlen festhalten.

Die Geschichte dreht sich um Larry (den listigen Lloyd Owen) und Rachel (die temperamentvolle Martina Laird), ehemalige Liebhaber, die zusammengearbeitet haben, um eine frühere Wahl in den USA zu gewinnen, und die jetzt für gegnerische Parteien arbeiten. Sie stellen unerwartet fest, dass sie ähnliche Phrasen und Taktiken anwenden, um die „Laptop-und-Kaffee“-Wähler anzusprechen.

Es gibt mehrere humorvolle Vorfälle, die erwähnenswert sind:

Wenn nicht, wirken Edgars Charaktere eher wie eloquente Sprecher als wie Individuen, in die wir uns hineinversetzen oder die uns am Herzen liegen. Der Dialog ist reichhaltig, aber die emotionale Wirkung scheint zu fehlen.

Georgina Brown

Nachhall (Bristol Old Vic)

Urteil: Grindr wird freundlicher

Gibt es irgendwelche Unklarheiten darüber, dass der Titel von Matthew Lopez‘ Stück mit der lautstarken sexuellen Begegnung zwischen Jonathan und seinem Grindr-Match zusammenhängt? Dies wird nie geklärt. Es dient jedoch als zum Nachdenken anregende, energiegeladene Einleitung zu einem zutiefst ruhigen, fast stillen dramatischen Stück, das sich mit urbaner Einsamkeit und dem fruchtlosen Streben nach Freude befasst.

Leider verlässt Jonathan seine Wohnung in Tottenham nur selten und bevorzugt die Gesellschaft seiner Bücher und gelegentliche Besuche von Fremden, die er auf Grindr trifft, als seine Hauptquellen der Kameradschaft.

Ein Grafiker entwirft mitfühlende Grußkarten für Menschen, die in Zeiten der Trauer Schwierigkeiten haben, ihren Trost zum Ausdruck zu bringen.

Die bittere Ironie besteht darin, dass er die tiefe Trauer über den Tod seiner Geliebten nicht aus eigener Kraft überwinden kann.

Im krassen Gegensatz zu mir, der Person, die dazu neigt, dort zu bleiben, ist meine Nachbarin Claire voller Freude ständig unterwegs. Sie stammt aus Amerika, lebt aber jetzt in London und scheint von einer Nation zur anderen und von Job zu Job zu tanzen. Ihre Reise scheint eine unermüdliche Suche nach diesem „authentischen, authentischen Partner“ zu sein.

Ti Greens raffiniert gestaltete zweistöckige, transparente Puppenhausstruktur bietet den Charakteren keinerlei Privatsphäre und ist somit ein idealer Hintergrund für die lebendige Darstellung von Jonathans gequältem Geisteszustand während seiner wiederkehrenden Panikepisoden, da die kahlen Wände als vielseitige Leinwand dienen.

Es passiert sehr wenig, sehr langsam und wird in einem Stück zu oft doppelt so lange wiederholt, wie es nötig wäre.

In Jack Sains extravaganter Darbietung ist es das außergewöhnliche Schauspiel dreier verletzlicher Charaktere, die kurzzeitig einen gemeinsamen Nenner finden, nur um dann ins Stocken zu geraten, das beim Publikum einen bleibenden Eindruck hinterlässt und es begeistert.

Eleanor Tomlinson, bekannt als Mrs. Poldark, steht kurz vor ihrem Bühnendebüt. Trotz des Kontrasts zwischen ihrem strahlenden Glanz und dem lässigen, von Cocktails angereicherten, scheinbar unbeschwerten Lebensstil, den sie darstellt, strahlt sie eine zerbrechliche Brillanz aus, die ihr Starpotenzial deutlich zum Ausdruck bringt.

In einem lebhaften, gesprächigen Stil, der an Wes erinnert, der sich mehr nach Zuneigung sehnt, als er sie sucht, liefert Jack Gibson eine außergewöhnliche erste Karriereleistung ab.

Unter allen sticht Michael Ahomka-Lindsays Darstellung von Jonathan durch ihre aufwändigen Details und ihr elegantes Auftreten hervor und dient nahezu als Ausgleich für die relativ weniger dramatischen Aspekte in anderen Teilen. Dies ist jedoch nicht ganz der Fall.

Georgina Brown 

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2024-11-01 05:08