Juno Mak über die zehnjährige Regiearbeit bei Hongkongs teuerstem Film „Sons of the Neon Night“: „Ich habe eine Welt gebaut, in der es eiskalt ist“ (EXKLUSIV)

Als vielseitiger Künstler mit einer tiefen Leidenschaft für das Geschichtenerzählen bin ich von Takeshi Kaneshiros Herangehensweise an das Filmemachen zutiefst berührt. Sein Engagement für zeitlose Erzählungen und seine einzigartige Verschmelzung verschiedener kreativer Elemente – Worte, Musik, Bilder und Soundeffekte – sind wirklich inspirierend.

Juno Mak, der für seine Fähigkeiten als Künstler, Musiker und Modedesigner bekannt ist, gelang 2013 mit dem übernatürlichen Horrorfilm „Rigor Mortis“ ein eindrucksvoller Einstieg in die Filmregie. Später enthüllte er Pläne für einen zweiten Film, der noch ehrgeiziger sein sollte. Es schien jedoch (zumindest aus öffentlicher Sicht), dass es bei diesem Projekt zu Verzögerungen gekommen sein könnte.

Kürzlich tauchte Mak mit der Nachricht auf, dass der bisher fehlende Film fast fertig sei und voraussichtlich bereits 2025 in die Kinos kommen werde.

Darüber hinaus ist es erwähnenswert, dass die Hauptbesetzung aus vier Schwergewichten des ostasiatischen Kinos besteht – Takeshi Kaneshiro, Tony Leung Ka-fai, Sean Lau und Louis Koo. Darüber hinaus ist Maks‘ gruselige Neuinterpretation von Hongkong mit einem stolzen Preis von 50 Millionen US-Dollar verbunden und damit teurer als der jüngste Actionhit „Twilight of the Warriors: Walled In“.

Kurz vor Beginn des Asian Contents and Film Market, wo Distribution Workshop den Verkaufsprozess wieder aufnehmen will, teilte Mak EbMaster Details über seine Produktionsmethode und die besondere Atmosphäre des Films mit.

Wie konnte dieser Film ins Stocken geraten und dann neu gestartet werden?

Im Jahr 2017 habe ich unsere Hauptdreharbeiten abgeschlossen und anschließend sind wir in eine fast zweijährige Postproduktionsphase eingetreten. Als jedoch COVID-19 eintraf, kam alles vorübergehend zum Stillstand. Erst nach der Pandemie wurde die Produktion wieder aufgenommen. Die Verzögerungen waren eher auf technische Hürden zurückzuführen als auf die Notwendigkeit, unsere Handlung zu überdenken.

Sie nennen es einen futuristischen Polizeithriller?

Dieser Film kann als eine einzigartige Interpretation des Krimi-Genres beschrieben werden, die von den typischen Stereotypen des Hongkonger Kinos abweicht. Im Gegensatz zu anderen Filmen steht „Sons of the Neon Night“ für sich allein und bietet eine neue Perspektive und Interpretation. Die Erzählung umfasst Themen wie Gier, Machtstreben, Drogenabhängigkeit (einschließlich verschreibungspflichtiger Medikamente) und komplexe familiäre Beziehungen.

Hier ist eine Möglichkeit, den ursprünglichen Satz umzuformulieren und dabei auf eine natürliche und leicht lesbare Sprache zu achten:

Der Film spielt in Hongkong und dient als Schauplatz, dennoch handelt es sich nicht um eine lebensnahe Dokumentation. Stattdessen präsentiert es eine einzigartige, von mir geschaffene Welt, die Schneefall erlebt. Dieses fiktive Universum ist der Hintergrund für eine Erzählung, die den Schmetterlingseffekt untersucht – eine Reihe von Ereignissen, die durch die Entscheidung einer Figur ausgelöst werden, den Schauplatz der Geschichte stören und ihr Gleichgewicht stören.

Wie haben Sie es geschafft, eine so sensationelle Besetzung zusammenzustellen?

Ich war zutiefst dankbar für diese Situation. Nach der Fertigstellung von „Rigor Mortis“ war die Diskussion über eine Fortsetzung ganz einfach. Das Interesse von Investoren und Händlern an einem solchen Projekt war auf jeden Fall vorhanden. Allerdings war ich davon überzeugt, dass die Essenz und der Inhalt, die ich vermitteln wollte, bereits im ersten Film vorhanden waren, sodass eine Fortsetzung oder ein Prequel zu diesem Zeitpunkt unnötig war.

Während wir mit „Rigor Mortis“ von Venedig zum Toronto Film Festival reisten und unter Jetlag litten, entwarf ich die ersten Sequenzen für „Sons of the Neon Night“. Insgesamt habe ich vier Jahre gebraucht, um das Drehbuch fertigzustellen.

Zunächst habe ich mir zahlreiche Charaktere ausgedacht und bin anschließend auf Reisen gegangen, um mit den Schauspielern und Schauspielerinnen zu interagieren. Es war „Rigor Mortis“, das ihr Interesse weckte, aber ich musste klarstellen, dass es von ihrer früheren Wahrnehmung von mir abwich. Dieses Projekt zeichnet sich dadurch aus, dass es keine gespenstischen oder übernatürlichen Aspekte aufweist. Die Rollen, die sie verkörpern sollten, waren trotz ihrer umfangreichen Erfahrung anders als alles, was sie zuvor in Angriff genommen hatten.

Hatten wir zu diesem Zeitpunkt bereits das Drehbuch fertiggestellt oder stellten Sie noch eine Idee oder ein Konzept vor?

Es war ein fertiges Drehbuch.

In welcher Beziehung steht dieser Film zu Ihrer Kunst, Ihrer Position als Sängerin und Musikerin? Genauer gesagt, wie passt es zu den bedeutenden Veränderungen in der realen Hongkong-Szene seit 2017?

In dieser Geschichte, die in einem fiktiven Hongkong spielt, ist der Zeitraum nicht entscheidend. Ob es sich um eine Produktion aus dem Jahr 2018 oder eine aus dem Jahr 2028 handelt oder sogar um einen Film, der in den 1920er Jahren spielt, ist flexibel. Bei der Erstellung eines Drehbuchs für jeden Film oder jedes Album, das ich erstelle, strebe ich danach, Zeitlosigkeit zu erreichen. Das bedeutet, dass es nicht durch den spezifischen Zeitraum, den wir gerade erleben, eingeschränkt oder abgelenkt werden sollte.

Zu Beginn meiner Karriere als Sängerin und Musikproduzentin war ich besonders auf Klänge eingestellt. Als es für mich an der Zeit war, bei „Rigor Mortis“ Regie zu führen, interviewte ich eine erfahrene Besetzung, die mich fragte, ob ich irgendwelche visuellen Referenzen hätte, normalerweise etwas, das ich zuvor gedreht hatte. Ich gab offen zu, dass ich vorher noch nichts gefilmt hatte, nicht einmal mit meinem Handy. Was mir jedoch zur Verfügung stand, war ein vollständiger Soundtrack. Ich bot ihnen verschiedene Audioaufforderungen an, Musik, die ich selbst komponiert oder mit anderen Komponisten zusammengearbeitet hatte.

Jeder Filmemacher hat seinen eigenen Ansatz beim Erstellen von Filmen. Diese Vielfalt macht das Kino so faszinierend; Es ist eine Mischung aus Drehbuch, Melodie, Bildern und Audioeffekten, die sich am Ende harmonisch vereinen.

Welchen Teil des Filmemachens finden Sie am interessantesten und anspruchsvollsten?

Jedes kreative Unterfangen, sei es ein Film, ein Album, ein Theaterstück oder ein Buch, folgt einem bestimmten Lebenszyklus. Für mich ist dieser Prozess wirklich faszinierend.

Die Produktion unseres Films war ziemlich umfangreich und dauerte insgesamt 142 Tage, was im Hongkonger Kino relativ ungewöhnlich ist. Bei einer so großen Besetzung mit 20 bis 30 Charakteren fühlte es sich an, als würden wir mehrere Filme gleichzeitig drehen. Ich habe die Erfahrung, verschiedene Rollen zu übernehmen und als Hauptansprechpartner für die gesamte Kommunikation zu fungieren, auch mit Investoren und Vertriebsmitarbeitern, wirklich genossen. Diese einzigartige Reise war für einen Regisseur, der gerade seinen zweiten Film drehte, besonders bezaubernd.

Was wollten Sie mit der Stilisierung erreichen?

Bevor wir mit unserer Arbeit begannen, habe ich eine umfassende Bibel zusammengestellt, in der ich Einzelheiten über die Kleidung jeder Figur, den Schauplatz jeder Szene und die einzigartige Atmosphäre des Films festhalte. Erst nach diesem vorbereitenden Schritt ging es an die Produktionsphase inklusive Location-Scouting. Wir haben auch zahlreiche Sets für bestimmte Zwecke gebaut.

Aus meiner Sicht als Kinoliebhaber entfaltet sich der Film schrittweise und vermeidet die dynamische, fast empfindungsfähige Rolle, die die Kamera in Großproduktionen in Hongkong oft einnimmt. Stattdessen dient die Kamera dieses Films als stiller Beobachter, der die komplizierten Interaktionen zwischen seinen Charakteren einfängt und dabei eine künstlerischere Distanz bewahrt.

Aufgrund seines tropischen Schauplatzes ist dieser Film im Vergleich zu den meisten Filmen aus Hongkong auch ungewöhnlich kühl. Ich habe absichtlich eine Umgebung geschaffen, in der es kalt ist, was sich auf die Entscheidungen der Charaktere auswirkt. Ich halte es für eine neue Perspektive auf die Kinoszene Hongkongs.

Wenn Sie für diesen Film fast zehn Jahre brauchen würden, würden Sie dann jemals einen weiteren Film machen?

Im Laufe der Jahre habe ich verschiedene Erzählungen entwickelt, wobei jedes Projekt für unterschiedliche Medien gedacht war – einige als Musikalben, andere als Bühnenaufführungen und wieder andere für Filme oder sogar TV-Miniserien. Anders ausgedrückt: Ich habe Freude am Schaffen und nicht nur am Produzieren eines bestimmten Gegenstands.

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2024-10-05 01:17