„Sky Captain“-Regisseur besteht darauf, dass sein bahnbrechendes Dieselpunk-Debüt kein Flop war: „Jemand hat wahrscheinlich eine Menge Geld verloren, aber das lag nicht an diesem Film“ (EXKLUSIV)

Als erfahrener Filmemacher mit jahrelanger Erfahrung kann ich Neils Reise durchaus nachvollziehen. Genau wie er habe auch ich unzählige Stunden damit verbracht, sozusagen in meinem „Schlafzimmer“ zu basteln, angetrieben von einer unnachgiebigen Leidenschaft für das Geschichtenerzählen und die neueste Technologie. Es ist faszinierend zu sehen, wie sich die Technologie weiterentwickelt hat und sich von einem bloßen Werkzeug zu einem integralen Bestandteil der Erzählung selbst entwickelt hat.

„Sky Captain and the World of Tomorrow“ erschien am 17. September 2004 und war ein Action-Abenteuer mit romantischen Untertönen, das an die Serien aus den 1930er Jahren erinnert, die George Lucas und Steven Spielberg zu „Star Wars“ und „Raiders of the World“ inspirierten Verlorene Arche. Doch obwohl er an den Kinokassen 58 Millionen US-Dollar einspielte, was über dem angeblichen ursprünglichen Budget von 70 Millionen US-Dollar lag, galt er dennoch als finanzieller Flop für Kerry Conran, den ersten Regisseur dieses Films (und bis heute seinen einzigen). ).

Im selben Interview mit EbMaster brachte Conran zum Ausdruck, dass dieser Film mir zwar Freude bereitete, mir aber auch Kummer bereitete.

Der aus Flint, Michigan, stammende Filmemacher war nicht der Pionier bei der Nutzung eines „virtuellen Backlots“ zum Geschichtenerzählen, da George Lucas bereits in den „Star Wars“-Prequels digitale Vorschauen und Bluescreen-Technologie eingesetzt hatte und Kazuaki Kiriyas „Casshern“ vor ihm erschien , dicht gefolgt von „Sin City“ von Robert Rodriguez. Die von ihm geschaffene komplexe und detaillierte Darstellung einer zeitversetzten Welt aus dem Jahr 1939 legte jedoch den Grundstein für verschiedene Projekte wie die Disney+-Serie „The Mandalorian“, die computergenerierte Kulissen ähnlich wie „The Volume“ verwendet, sowie James Camerons immersives „Avatar“. „Filme.

Obwohl „Sky Captain“ in den Jahren nach seiner Veröffentlichung oft als bahnbrechende Plattform für die digitale Filmproduktionstechnologie übersehen wurde, wurde „Sky Captain“ von Conran auch übermäßig als Misserfolg bezeichnet. Anlässlich des 20-jährigen Jubiläums dieses Films führte Conran eine ausführliche Diskussion über die Entstehung des Films, die Produktionsmethoden und seine nachhaltige Wirkung. Er gab bekannt, dass die Produktionskosten nicht so hoch waren wie ursprünglich angegeben. „Es fällt mir schwer, darüber zu diskutieren“, gibt er zu, „ich muss bedenken, dass ich nicht der Einzige bin, der hier involviert ist, und dass es viele gibt, die unermüdlich daran gearbeitet haben und den Film wirklich schätzen. Und ich auch.“

[Dieses Interview wurde bearbeitet und gekürzt.]

Können Sie uns erzählen, was Sie ursprünglich dazu inspiriert hat, „Sky Captain“ zu machen?

Offensichtlich spielte meine Kindheitsleidenschaft für Comics eine bedeutende Rolle in meinem Leben, und die fesselnde Welt von „Star Wars“, die von Spielberg und Lucas geschaffen wurde, beflügelte meine Fantasie zusätzlich. Das Serienformat war ansprechend und ermöglichte es mir, die Geschichten, die ich schon lange bewunderte, in die Realität umzusetzen. Angesichts der damals begrenzten Ressourcen ging ich dieses Unterfangen aus einer experimentellen, unabhängigen Perspektive an, mit dem Ziel, etwas Mutiges und Innovatives zu schaffen. Letztendlich fügten sich all diese Elemente zusammen und prägten das, was letztendlich daraus wurde.

Waren Sie als Kind sehr an Technik interessiert oder war sie nur Mittel zum Zweck?

Ich würde sagen, ein bisschen von beidem. Ich glaube, es gibt diese Art von Experimentator und Erfinder, die ich immer bewundert habe, sei es Edison oder Tesla oder wer auch immer. Ich war weder mathematisch noch wissenschaftlich klug genug wie sie, aber was sie taten und schufen, war auf seine Art inspirierend. Und sicherlich waren Walt Disney und die Dinge, die [seine Firma] alles erfunden hat, um eine Geschichte zu erzählen, wie die Multiplane-Kamera, die die Animation revolutionierte, eine große Inspiration. Und in dieser Hinsicht möchte ich gerne wissen, wie die Dinge hinter den Kulissen funktionieren – aber als Mittel zum Zweck. Ich habe mich nie besonders tief in diese Dinge vertieft, aber ich habe es gelernt. Wenn man also die Gelegenheit bekommt, diese Wissensbasis zu kombinieren, hat man vielleicht die Möglichkeit, diese Idee tatsächlich umzusetzen.

Was gab Ihnen die Zuversicht, dass dies nicht nur machbar war, sondern auch der beste Weg, Ihre Ziele zu erreichen?

Was mein Interesse im Wesentlichen geweckt hat, war eine Kombination verschiedener Faktoren. Ich besuchte CalArts und verliebte mich in deren Animationsabteilung. Gleichzeitig bekam ich eine frühe Version der Software namens After Effects. Als ich es zum ersten Mal öffnete, fühlte es sich wie eine Offenbarung an – es ähnelte Photoshop, nur für Videos. Dieses Tool schien den herkömmlichen optischen Drucker zu ersetzen, den ich aus meiner Zeit als Animationskünstler kannte. Ich fragte mich, ob Live-Action wie Animation behandelt werden könnte und ob wir flache Hintergründe erstellen und Vordergrundelemente hinzufügen könnten. Obwohl es Bluescreen-Arbeiten schon seit einiger Zeit gab, war dies das erste Mal, dass ich sie auf meinem Heimcomputer ausführen konnte. Diese neu entdeckte Fähigkeit, mit diesen Werkzeugen zu experimentieren, stand mir in meiner Wohnung direkt zur Verfügung. Darüber hinaus wurde mir klar, dass ich mit der Anwendung theatralischer Techniken mehr erreichen könnte. Deshalb habe ich mich dafür entschieden, innerhalb der Grenzen der Software zu arbeiten und ihre einzigartigen Fähigkeiten zu nutzen.

Nachdem ich meine Faszination für den deutschen Expressionismus entdeckt hatte, fand ich ein kleines Softwareprogramm, das es mir ermöglichte, dieses Interesse mit verschiedenen anderen Elementen zu verbinden. Dies brachte mich dazu, mit der Fotografie zu experimentieren und Hintergründe mit Vordergründen zu überlagern, alles in Schwarzweiß, um eine nahtlose Mischung aus alten und neuen Bildern zu schaffen. Im Laufe der Zeit habe ich eine Reihe von Aufnahmen erstellt, aus denen schließlich ein Kurzfilm entstand, der Anklang fand. Nach vier Jahren Arbeit war der Film jedoch nur sechs Minuten lang und ich hatte das Gefühl, dass er Hilfe brauchte. Damals stellte ich meine Arbeit Jon Avnet vor, der ihr Potenzial erkannte, und gemeinsam trieben wir das Projekt voran.

Auch wenn Sie wussten, dass Ihre Idee sehr ehrgeizig umgesetzt werden würde, wie schwierig oder einfach war es, dafür zu sorgen, dass die Geschichte selbst fesselnd und resonant war?

Der Prozess des Schreibens und Filmemachens war für mich kein Kinderspiel, da ich kein Weltklasse-Autor oder so etwas bin. Ich bin vielleicht nicht viel außergewöhnlich, aber ich bin auch nicht hoffnungslos. Meine Arbeit wurde von meiner Unerfahrenheit bestimmt, sowohl beim Drehen des Films als auch beim Schreiben – es fühlte sich an, als wüsste ich es nicht besser. Damals habe ich mir kaum Gedanken über mein potenzielles Publikum gemacht. Ursprünglich hatte ich mir vorgestellt, einen „verlorenen Film“ zu schaffen, etwas Entdecktes, das den authentischen Stil von Filmen aus den 1930er-Jahren nachahmt. Dieser Ansatz machte den technischen Aspekt des Schreibens anspruchsvoller.

Als ich mich zum ersten Mal an Jon wandte, fragte ich zunächst, ob er sich möglicherweise etwa drei Millionen Dollar sichern könne. Zu meiner Überraschung antwortete er selbstbewusst: „Ich glaube, wir können das übertreffen.“ Und tatsächlich hat er mehr geliefert als erwartet. Dieser Geldzufluss führte zu einem erheblichen Upgrade von einer Schwarzweißproduktion auf eine Vollfarbproduktion und zu der Notwendigkeit, 3D-Elemente zu integrieren, die ich ursprünglich nicht geplant hatte. Folglich mussten wir Techniken erneuern, um schneller arbeiten zu können. Dieser dynamische Prozess hatte erhebliche Auswirkungen auf das Schreiben, da ich meinen Ansatz aufgrund der sich ändernden Umstände ständig anpassen und modifizieren musste. Wenn ich die Chance gehabt hätte, es noch einmal zu machen, hätte ich eine kreative Richtung angestrebt, die eher der von Lucas und Spielberg ähnelt – eine, die weniger nachahmend und mehr von den Serien inspiriert wäre. Obwohl dieser Ansatz für die damalige Zeit visuell beeindruckend war, hinderte er die Zuschauer möglicherweise daran, sich vollständig mit den Charakteren zu identifizieren und ihre Reise zu verfolgen.

Sein Tempo ist sehr anachronistisch. Stand das auf der Seite, oder als Sie mit der Regie und dem Schnitt begannen, spiegelte es Ihre Ästhetik als Filmemacher wider?

Früher war der Rhythmus oder die Geschwindigkeit der Szenen ein Streitpunkt. Ich war von der lebendigen Bildsprache fasziniert; Beispielsweise könnte die Ankunftsszene des Zeppelins doppelt so lang sein wie heute, was mir sehr gut gefallen hat. Jon drängte mich jedoch immer wieder, es etwas zu kürzen und die Dinge zu beschleunigen. Bis heute gibt es Teile, die meiner Meinung nach zu schnell nach meinem Geschmack geschnitten wurden, mit Ausnahme von Jons Rat, den ich besonders wertvoll fand: „Wenn du mit Schauspielern filmst, dreh immer eine Einstellung, die doppelt so schnell ist.“ wie du denkst, dass es sein muss. Am Ende haben wir die schnelleren Takes verwendet. Während wir einige Aspekte genießen wollten, waren wir auch damit beschäftigt, Geschichten zu erzählen und ein Gefühl von Dringlichkeit und Dramatik zu erzeugen. Ich glaube, wir haben eine gute Balance gefunden. Wenn diese Produktion heute gemacht würde, würde das Tempo wahrscheinlich dem Tempo zeitgenössischer Filme entsprechen. Und ehrlich gesagt bin ich mir nicht sicher, ob ich die Geduld dafür aufbringen würde wie damals.

Können Sie uns etwas über den Casting-Prozess erzählen?

Anfangs hatten Jude und Gwyneth ein Händchen dafür, sich sowohl in Mainstream- als auch in Indie-Filme zu wagen und dabei Risiken einzugehen. Ein Schlüsselfaktor, der das Interesse weckte, war ein Kurzfilm – Jon Avnet teilte ihn zuerst mit Jude und er war sofort mit von der Partie. Damals hatten wir noch nicht einmal ein Drehbuch. Jude war von dieser Gelegenheit begeistert und wandte sich an Gwyneth, die ebenfalls schnell zustimmte, mitzumachen. Sie waren bereit, sich kopfüber in etwas Ungewisses zu stürzen und dabei ein erhebliches Risiko einzugehen. Im Wesentlichen hat ihre mutige Entscheidung den Weg für die Produktion des Films geebnet – etwas, das ich ihnen nie wirklich zurückzahlen kann; Sie haben alles möglich gemacht.

Das Kamerateam hatte einige Zweifel, weil es gebeten wurde, nicht existierende Szenen zu filmen, von denen sie kaum glauben konnten, dass sie effektiv funktionieren würden. Allerdings wurde von Steve Yamamoto, dem Leiter der Animationsabteilung, eine schnelle Vorvisualisierung anhand des gerade gedrehten Filmmaterials angefordert. Dieses Vorabfoto wurde über Nacht verschickt, und am zweiten Drehtag wurde allen eine sehr grobe Darstellung davon gezeigt, wie das Büro mit bestimmten eingeblendeten Elementen aussehen könnte. Dies schien für alle ein Wendepunkt gewesen zu sein, wie es vermittelte Vertrauen, dass sie möglicherweise an etwas Bahnbrechendem und Faszinierendem arbeiten und dadurch die Gesamtatmosphäre verändern.

Wie haben Sie Jude und Gwyneth dabei geholfen, die Tonalität des „verlorenen Films“-Gefühls zu verstehen, das Sie anstrebten?

Anfangs war ich voller Angst. Ich habe nicht versucht, mich anders zu präsentieren als der, der ich wirklich war – ein rundlicher Junge aus Michigan, der eifrig einen ungewöhnlichen Film dreht. Von Natur aus bin ich ziemlich selbstironisch, und diese Eigenschaft zeigte sich in meinem Umgang mit allen anderen. Es war beruhigend, Jon Avnet an Bord zu haben, weil man das Gefühl hatte, dass ein verantwortungsbewusster Erwachsener anwesend war, der sich um alle Bedenken kümmerte, falls etwas schief gehen sollte. Das stärkte wahrscheinlich ihr Selbstvertrauen, aber ich glaube, dass sie auch von der Idee angezogen wurden, an einem Experimentalfilm zu arbeiten. Bei „Jude und Gwyneth“ brauchte ich nicht viele Einstellungen. In seltenen Fällen erinnerte ich mich an Jons Anweisung, „eines etwas schneller zu machen“, aber wenn ihre Leistung mit meinem mentalen Bild übereinstimmte, reichte das aus. Im Wesentlichen habe ich versucht, nicht übermäßig beeindruckt oder eingeschüchtert zu wirken.

Waren Sie mit dem Endergebnis zufrieden? Und wenn nicht, gab es einen Punkt der Distanz, der Ihnen eine klarere Perspektive auf den Film ermöglichte?

Zunächst musste ich zugeben, dass der Film nicht fehlerfrei war, und ich übernahm die volle Verantwortung für seine Mängel. Ich bin damit einverstanden. Obwohl ich glaube, dass ich nicht völlig gescheitert bin, wünschte ich mir, der Film hätte an den Kinokassen finanziell besser abgeschnitten. Es gab Faktoren, die dazu beigetragen haben. Der Film war ursprünglich nicht darauf ausgelegt, das zu sein, was er letztendlich wurde. Ursprünglich, als ich im Alleingang daran arbeitete, wollte ich, dass es ein unabhängiger Film wird, der sich durch seine Größe von anderen abhebt. Es wurde jedoch etwas anderes. Um es einfach auszudrücken: Jon und das Studio boten mir Möglichkeiten und gaben mir Raum zum Arbeiten, sodass es kein Albtraumszenario war, in dem jemand hereinkam und alles drastisch veränderte. Stattdessen haben wir zusammengearbeitet und ich habe mein Bestes getan, um mich an ihre Eingaben anzupassen.

Wenn man darüber nachdenkt, ist klar, dass der Film sein primäres Ziel aus finanziellen Gründen nicht erreicht hat. Es scheint einige Verwirrung über die tatsächlichen Kosten des Films zu geben. Ursprünglich lag unser Budget zwischen 3 und 10 Millionen US-Dollar. Die endgültigen Kosten beliefen sich jedoch auf rund 12 Millionen US-Dollar. Diese zusätzliche Finanzierung wurde nicht von mir bereitgestellt; Es wurde für die Produktion des Farbfilms und die Anschaffung zusätzlicher Computer für unsere Renderfarm verwendet, um die Produktion zu beschleunigen. Damals hatte Paramount einen verspäteten „Mission: Impossible“-Film, also brauchten sie etwas für die Winterveröffentlichung. Ich habe keinen bestimmten Zeitplan versprochen, da unsere begrenzten Ressourcen nur eine bestimmte Anzahl von Bildern pro Stunde produzieren konnten. Dadurch wurde mehr Geld in den Kauf weiterer Computer investiert. Die Budgetdiskrepanz könnte darauf zurückzuführen sein, dass ein erheblicher Teil der Gewinne des Films vom Finanzier verkauft wurde, der nicht direkt in den Film selbst reinvestiert wurde. Obwohl der Film 12 Millionen US-Dollar kostete, wäre er im Vergleich zu seinen ursprünglichen Prognosen als erfolgreich angesehen worden. Paramount hat zwar einen beträchtlichen Betrag investiert, aber diese Entscheidungen lagen außerhalb meiner Kontrolle.

Die zuvor gemeldeten 70 Millionen US-Dollar beziehen sich also auf die Kosten für den Verkauf an Paramount oder auf die Kosten, die Aurelio durch die Übernahme des Vertriebs verdient hat?

Wir haben zunächst nur 10 Minuten Filmmaterial aus dem Film mehreren Studios gezeigt, und Paramount hat es schließlich für eine beträchtliche Summe gekauft. Aurelio hat die Produktionskosten des Films überbewertet und den Eindruck erweckt, dass er viel teurer sei, als er tatsächlich war. Die hohen Gebote für den Film waren so hoch, dass Gerüchte kursierten, Aurelio habe das Geld für den Kauf einer Fußballmannschaft verwendet. Während jemand bei diesem Deal wahrscheinlich eine beträchtliche Menge Geld verloren hat, lag das nicht an der Leistung des Films. Das ist der Grund für meine Enttäuschung – mein mangelndes Verständnis für die Branche. Aurelio ist mit dem Film ein Risiko eingegangen, und wenn er einen Gewinn gemacht hat, ist das großartig für ihn. Allerdings habe ich das Gefühl, dass die finanziellen Erwartungen an den Film durch diesen Deal gestiegen sind, was die Einspielergebnisse möglicherweise zusätzlich unter Druck gesetzt hat. Mit anderen Worten: Die hohen Kosten des Films stellten einen anspruchsvollen Maßstab für seinen Erfolg dar.

Wie sehr hatte diese Wahrnehmung Auswirkungen auf die Möglichkeiten, die Sie später erhielten?

Immens. Man ging davon aus, dass bei der Produktion des Films eine beträchtliche Menge Geld verschwendet wurde, dies hatte jedoch weder etwas mit mir noch mit dem Film selbst zu tun. Zu diesem Zeitpunkt arbeitete ich mit Sherry Lansing zusammen, die eine herausragende Position bei Paramount Studios innehatte. Meine Arbeit gefiel ihr besonders gut. Sie besaßen damals die Rechte an „John Carter vom Mars“, der als Fortsetzung dieses Projekts geplant war. Wir haben mit ähnlichen kreativen Strategien begonnen und es kam gut voran. Allerdings verließ Sherry Paramount und hinterließ eine neue Führung, mit der ich zuvor keine Beziehung hatte. Sie sahen nur einen Jugendlichen, der angeblich bei einem so großen Projekt finanzielle Verluste verursacht hatte.

Fast ein Jahr lang war ich intensiv in das Projekt „John Carter“ involviert. Wir standen kurz davor, das Casting abzuschließen und mit den Dreharbeiten zu beginnen. Allerdings hatte die Person, die die Entscheidungsgewalt innehatte, zu dieser Zeit eine enge Bindung zu Jon Favreau und suchte etwas für ihn. Infolgedessen wurde es an ihn weitergegeben. Anschließend arbeitete ich an einem Projekt mit DreamWorks, bei dem es um Live-Action-Animationen ging. Ungefähr zwei Jahre nach der Veröffentlichung von „Sky Captain“ wurde mir klar, dass dies nicht der richtige Weg für mich war. Ich könnte nicht ein Jahr lang in etwas investieren und es dann aufgeben. Also beschloss ich, wieder zu meinen unabhängigen Beschäftigungen zurückzukehren. Obwohl „John Carter“ keine 100 Millionen Dollar verdiente, hätte unsere gemeinsame Arbeit möglicherweise einen anderen Verlauf genommen, wenn es so gewesen wäre. Aber im Moment bin ich immer noch hier!

Man konnte die Teeblätter ein wenig lesen und vorhersehen, was die Ära des Bandes werden würde. Sind Sie mit der Technologie auf dem Laufenden geblieben, sodass Sie, wenn Sie die richtige Gelegenheit dazu hätten, problemlos in eine solche Herausforderung schlüpfen könnten?

Auf jeden Fall, ich war weg, aber ich war auf jeden Fall beschäftigt. Meine Faszination galt schon immer der Technologie als Mittel zum Fortschritt. Etwa 2010 besuchte ich die E3-Gaming-Convention und war von der Unreal Engine 3 überwältigt. Sie war damals unglaublich für Spiele und weckte in mir eine Idee: Warum sollte ich sie nicht zum Filmemachen nutzen? Die Herausforderung, vor der wir beim Rendern standen, war zeitaufwändig, aber diese Software konnte es in Echtzeit erledigen. Valve, das Unternehmen hinter „Half-Life“, hatte ebenfalls eine Engine für ihre Animationen entwickelt, die wie ein nichtlinearer Editor wirkte, nur dass der Videoteil eine dynamische 3D-Szene blieb. Das bedeutete, dass Sie Szenen sofort bearbeiten und Elemente manipulieren konnten – ein wirklich revolutionäres Konzept. Leider war Valve zu diesem Zeitpunkt nicht bereit, diese Technologie mit anderen zu teilen, da sie beabsichtigten, sie für ihre eigenen Projekte zu nutzen.

Und dann entwickelte sich Epic im Laufe der Jahre mit der Unreal Engine 5 weiter, und dann begannen „The Mandalorian“, „The Volume“ und alle anderen damit, sie zu nutzen. Unwirklich ist es, was die Lautstärke antreibt. Und plötzlich steht Ihnen ein Werkzeug zur Verfügung, mit dem Sie nahezu fotorealistische Live-Action erstellen können. Ich würde also sagen: Ja, ich habe mich auf dem Laufenden gehalten. Und sicherlich wird das, was jetzt mit der KI passiert, die Dinge noch einmal dramatisch verändern, denn in einem Jahr wird es vielleicht nicht einmal mehr nötig sein, zu rendern. Aber um Ihre Frage zu beantworten: Ich arbeite weiterhin an vielen verschiedenen Dingen und bin sehr zuversichtlich, dass ich zwei Projekte habe, bei denen wir meiner Meinung nach eine echte Chance haben. Es hat leider sehr lange gedauert.

Wie haben Sie einen Weg gefunden, die Risiken zu mindern, die Sie bei der Entwicklung von Projekten eingehen?

Um es einfach auszudrücken: Selbst wenn ich mich aus irgendeinem Grund von einem Produzenten trenne, bleibt die Arbeit, die ich zusammen gemacht habe, meine. Aus zeitlichen Gründen halte ich mich derzeit damit zurück, darüber zu sprechen, aber im Wesentlichen bin ich zu meiner Ausgangsposition zurückgekehrt, sowohl im übertragenen als auch im wörtlichen Sinne. Obwohl ich mit vielen Einzelpersonen zusammenarbeite, ist die Denkweise hinter diesen Partnerschaften konsistent. Nach vielen Erkundungen habe ich den Weg zurück zu einem Punkt gefunden, an dem ich mich ausschließlich auf mich selbst als Kompass konzentriere. Ich glaube, dass es bei anderen Anklang findet, sich selbst treu zu bleiben und auf das zu vertrauen, was einem gefällt.

Ich habe noch eine Frage zum Film: Ist in der letzten Aufnahme der Objektivdeckel auf oder ab?

Ehrlich gesagt bin ich mir da nicht sicher, weil wir damals mit zahlreichen Dingen beschäftigt waren, die möglicherweise dazu führten, dass die Kamera einen physischen Objektivdeckel hatte. Allerdings habe ich den Film seit seiner Veröffentlichung nicht mehr angeschaut. Als es ursprünglich geschrieben wurde, enthielt die Szene den Objektivdeckel, was symbolisierte, dass sie einen kostbaren Moment mit ihm verpasste, etwas, das für immer zwischen ihnen privat bleiben sollte, was ich als liebenswerte, ergreifende Schlussfolgerung empfand.

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2024-09-17 18:49